All’interno di diverse location, si è svolta a New York la 37ma edizione degli MTV Video Music Awards.
L’evento, a causa del Covid, ha dovuto reinventarsi, ed è per questo i vari spazi erano sparsi in tutta la città, oltre al fatto che ai classici premi sono stati aggiunti anche altri quali il Quarantine Performance e il Best Music Video from Home.
La serata “socialmente distanziata” è stata condotta dall’attrice Keke Palmer, che ha dedicato un video a Chadwick Boseman, l’attore 43enne di Black Panther morto nei giorni scorsi.
Mattatrice della serata è stata Lady Gaga, che ha vinto cinque premi, compreso quello di miglior artista; la Germanotta, che ha cambiato la mascherina per ogni performance, si è anche esibita in un incredibile medley di alcuni brani tratti dal suo ultimo album CHROMATICA, duettando, tra le altre, anche con Ariana Grande (anche lei vincitrice di quattro premi) con la canzone Rain on Me.
Durante il suo discorso Lady Gaga ha lanciato un messaggio di speranza:
“Anche se in questo momento siamo separati e la cultura può sembrare meno viva in qualche modo, so che sta arrivando il Rinascimento. Stai al sicuro, dì quello che pensi e, anche se potrei sembrare un disco rotto, indossa la mascherina: è un segno di rispetto”.
Altri vincitori della serata sono stati i BTS che si sono aggidicati quattro premi su quattro nomination.
Il premio per il miglior video dell’anno è andato invece a The Weeknd, che si è esibito dalla terrazza di uno dei grattacieli dell’Hudson Yards. Il premio Best Rock è andato invece ai Coldplay.
Nell’anno della pandemia il miglior video da casa è stato Stuck with U di Ariana Grande e Justin Bieber) e la miglior performance in quarantena è stata MTV Unplugged at Home dei CNCO.
Tutti i vincitori – MTV Video Music Awards 2020:
MTV Tricon Award Lady Gaga
Video of the Year The Weeknd, Blinding Lights
Artist of the Year Lady Gaga
Song of the Year Lady Gaga e Ariana Grande, Rain On Me
Push Best New Artist Doja Cat
Best Pop BTS, On
Best R&B The Weeknd, Blinding Lights
Best Hip-Hop Megan Three Stallion, Savage
Best Music Video From Home Ariana Grande e Justin Biever, Stuck with U
Best Collaboration Lady Gaga e Ariana Grande, Rain On Me
Best Direction Taylor Swift, The Man: Directed by Taylor Swift
Best Latin Maluma ft J Balvin, Queì Pena
Best Alternative Machine Gun Kelly, Bloody Valentine
Best Rock Coldplay, Orphans
Best Group BTS
Best K-Pop BTS, On
Video for Good H.E.R., I Can’t Breathe
Song of the Summer Blackpink, How You Like That
Best Visual Effects Dua Lipa, Physical: Visual Effects by EIGHTY 4 B
Best Choreography BTS, On: Choreography by Son Sung Deuk, Lee Ga Hun, Lee Byung Eun
Best Cinematography Lady Gaga e Ariana Grande, Rain On Me: Cinematography by Thomas Kloss
Best Art Direction Miley Cyrus, Mother’s Daughter: Art Direction by Christian Stone
Best Quarantine Performance CNCO, Unplugged at Home
Best Editing Miley Cyrus, Mother’s Daughter: Edited by Alexandre Moors, Nuno Xico
Everyday Heroes: Frontline Medical Workers honorees Jason “Tik Tok Doc” Campbell Dr. Elvis Francois and Dr. William Robinson, Imagine Jefferson University Hospital’s Swab Squad, Level Up Lori Marie Key, Amazing Grace Dr. Nate Wood, Lean on Me
Oggi su FareMusic parliamo di “Pop Babilonya” un progetto musicale tutto al femminile o quasi, il progetto in questione è capitanato da un intraprendente Michele Monina, affiancato in questa avventura da Mattia Toccaceli e Giampiero Bartolini.
Si tratta di un crowdfunding per fondare una nuova etichetta discografica, la Anatomia Femminile, e pubblicare un’antologia con la quale partecipare alla Targa Tenco. La durata prevista delle raccolta è dal 24 agosto al 24 ottobre 2020, due mesi esatti, dichiara lo stesso Monina dalle colonne del suo OM Optimegazine.
Etichetta e antologia sono uno spin off o la naturale conseguenza del Festivalino di Anatomia Femminile, un festival giunto alla quarta edizione che ha dato dal 2017 ad oggi spazio alle donne della musica italiana, la svolta arriva in occasione della pubblicazione del cinquecentesimo video sulla pagina facebook di Monina il ventiquattro agosto scorso, una reazione naturale, come riscatto al periodo pandemico, per dare uno slancio alla musica al femminile.
Ecco nello specifico il doppio intento, da una parte la partecipazione al Premio Strega, il noto premio letterario, al quale Monina vuole partecipare pubblicando il suo romanzo sotto forma di diario “Cento di questi giorni”; dall’altra la partecipazione alla Targa Tenco, premio prestigioso del cantautorato italiano.
È qui che entra in gioco il crowfunding, questo l’appello di Monina:
«Cosa potete fare voi che leggete queste mie parole per supportare tutto questo? Semplice, partecipare al crowdfunding dal nome Pop Babilonya che a questo sito iltassodelmiele.com trovate raccontato per filo e per segno».
Diverse quote di adesione, da 50 a 300 euro per contribuire al progetto e ricevere in cambio, nelle soluzioni che trovate esposte sul sito, diversi libri editi in edizione numerata dello stesso Monina.
Sul sito è spiegato tutto in modo chiaro, modalità di pagamento, quote di adesione e corrispondente premio. Una buona opportunità per dare un contributo al mondo della musica e per mettere in libreria un buon libro, se poi i libri non dovessero piacere rimarrà il gesto nobile di aver dato un contributo al mondo della musica.
Con la cifra raccolta sarà possibile, come scrive lo stesso Monina:
«dar vita a una etichetta discografica, una casa discografica, con la quale pubblicare l’antologia in questione. L’etichetta, ho pensato, si chiamerà ovviamente Anatomia Femminile, e al cantautorato femminile sarà tutta dedicata. L’antologia si distinguerà perché, come avevo pensato inizialmente, il corpo delle donne tornerà a essere centrale nei testi delle canzoni presentate. Dopo questa prima antologia, quindi, vedremo di andare a fare opera di divulgazione attraverso album solisti di artiste che il mercato, miope, tiene a bordo campo».
A questo punto non resta che cliccare e dare l’input con l’obiettivo di puntare alla Targa Tengo, buona musica a tutti, buona musica a tutte.
E’ iniziata la quattordicesima edizione dei MUSIC AWARDS, che per la seconda volta sono denominati SEAT MUSIC AWARDS. L’evento si svolge mercoledì 2 e sabato 5 settembre all’ARENA DI VERONA e in diretta in prima serata su RAI 1 condotti da CARLO CONTI e VANESSA INCONTRADA.
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In un anno così imprevedibile e sospeso per il mondo intero, la musica continua a farsi sentire e reagisce più unita che mai, con un’edizione molto speciale dei consueti premi della musica italiana: per la prima volta non sono gli artisti a essere premiati, ma saranno loro a dedicare simbolicamente la propria presenza e le esibizioni ai lavoratori dello spettacolo.
Ed è così che i “Premi della Musica” diventano i “Premi DALLA Musica”, un riconoscimento a tutti i musicisti e ai lavoratori dietro le quinte che, anche adesso che il mondo si sta preparando a ripartire, continuano a rimanere sospesi e invisibili.
In diretta dall’ARENA DI VERONA, con pubblico presente, i SEAT MUSIC AWARDS vedono oltre 70 artisti alternarsi sul palco nel corso delle due serate. E’ un modo per riportare la musica nel suo luogo naturale, il palco, riaccendere le luci, i suoni, le emozioni dei concerti e ridare la giusta collocazione ai musicisti e a tutti i lavoratori dietro le quinte.
Gli artisti presenti il mercoledì 2 settembre sono: ALESSANDRA AMOROSO, BIAGIO ANTONACCI, CLAUDIO BAGLIONI, ANDREA BOCELLI, RICCARDO COCCIANTE, FRANCESCO DE GREGORI e ANTONELLO VENDITTI, ELISA, EMMA, TIZIANO FERRO in collegamento da Los Angeles a causa del lockdown, LIGABUE, FIORELLA MANNOIA, GIANNI MORANDI, GIANNA NANNINI, EROS RAMAZZOTTI, ZUCCHERO e AMADEUS, GIORGIO PANARIELLO, LEONARDO PIERACCIONI e FICARRA e PICONE.
Gli artisti presenti sul palco sabato 5 settembre sono: ACHILLE LAURO, ANNALISA, MALIKA AYANE, BABY K, BOOMDABASH con ALESSANDRA AMOROSO, GIGI D’ALESSIO, FRED DE PALMA, DIODATO, GIUSY FERRERI, FRANCESCO GABBANI, GHALI, IL VOLO, IRAMA, J – AX, LEVANTE, MAHMOOD, MARCO MASINI, ERMAL META, MIKA e MICHELE BRAVI, MODÀ, FABRIZIO MORO, NEK, ENRICO NIGIOTTI, TOMMASO PARADISO, PIERO PELÙ, MAX PEZZALI, RAF E TOZZI, FRANCESCO RENGA, RIKI, THE KOLORS e ENRICO BRIGNANO.
Ma non finisce qui! Ci sarà infatti anche un terzo speciale appuntamento dei SEAT MUSIC AWARDS, in onda domenica 6 settembre alle ore 16.00 su Rai 1: “SEAT MUSIC AWARDS – Viaggio nella musica”.
Narratore del viaggio sarà Nek in una veste insolita ma a lui molto congeniale, amato e stimato dai suoi colleghi, divertente intrattenitore partirà dalla sua casa di Sassuolo alla volta di Verona per immergersi nella settimana che riaccenderà le luci sulla musica dall’Arena di Verona. Nek incontrerà e presenterà i suoi colleghi cantanti e le loro hit, oltre ad alcuni dei protagonisti delle puntate precedenti, ma anche i lavoratori dello spettacolo, a cui tutto questo progetto è dedicato.
Gli artisti protagonisti dello speciale terzo appuntamento “SEAT MUSIC AWARDS – Viaggio nella musica” saranno: IL VOLO, GIGI D’ALESSIO e CLEMENTINO, BUGO e ERMAL META, MARIO BIONDI, RON, ROCCO HUNT e ANA MENA, GAIA, AIELLO, NINA ZILLI, MR. RAIN e tanti altri ospiti, protagonisti della “Settimana della Musica”.
Dall’1 al 21 settembre sarà inoltre attivo il numero solidale45588 che, insieme all’incasso della vendita dei biglietti, al netto dei costi, andranno a costituire un aiuto concreto. Il ricavato complessivo, infatti, andrà a confluire nel fondo “COVID 19 – Sosteniamo la musica” di MUSIC INNOVATION HUB, con il supporto di Spotify e promosso da FIMI – Federazione Industria Musicale Italiana, a fianco della filiera musicale italiana con lo scopo di supportare musicisti e professionisti del settore in questo momento di crisi globale.
Inoltre, per la prima volta nella storia dei SEAT MUSIC AWARDS, il palco è posizionato al centro dell’Arena di Verona, dando quindi una visione a 360° che permetterà al pubblico, posizionato distanziato su tutte le gradinate circolari, di vivere appieno la grandiosità e la magia dell’Anfiteatro!
Sfacciate, controverse e provocatorie le dichiarazioni del CEO di Spotify, Daniel Ek, riportate da tantissime testate del settore che, tra le altre, hanno fatto davvero infuriare tantissimi artisti.
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Nel corso di un’intervista rilasciata a Music Ally, Ek ha espresso il suo discutibile pensiero sui bassi introiti riconosciuti agli artisti dallo streaming. Ha parlato anche della crisi del settore causata dal Covid-19 e della situazione precaria in cui vive l’industria musicale:
“E’ abbastanza interessante che mentre la torta diventa sempre più grande, e più e più persone possono avere la loro fetta, tendiamo a focalizzarci su un numero molto limitato di artisti. Oggi, sul mercato, ci sono milioni e milioni di artisti. Ciò che si tende a riportare è che le persone sono scontente, ma molto raramente vediamo qualcuno che ne parla….da quando esiste Spotify non penso di aver mai visto un artista dire pubblicamente ‘Sono soddisfatto degli introiti che ottengo dallo streaming’. In privato lo hanno fatto molte volte, ma in pubblico non sono incentivati a dirlo. Inequivocabilmente, però, i dati dicono che ci sono sempre più artisti che riescono a vivere dei soli guadagni derivanti dallo streaming. C’è una fallacia narrativa qui, combinata col fatto che ovviamente alcuni artisti che avevano successo una volta potrebbero non averne altrettanto sugli scenari futuri, dove non si può fare un disco ogni tre o quattro anni e pensare che sia sufficiente. Gli artisti che oggi ce la fanno capiscono che si tratta di coinvolgere i fan. Si tratta di mettersi al lavoro, di creare uno storytelling attorno all’album e intrattenere un dialogo continuo coi fan.“
Diversi artisti non hanno fatto attendere le loro sdegnate reazioni, accusando Spotify di sottrarre una grossa parte dell’introito che gli artisti dovrebbero ricevere dai diritti d’autore, non pagando, alla fine, quasi nulla agli artisti stessi.
Tra i commenti dei vari artisti è spiccato quello di Mike Mills dei R.E.M.:
“Musica = prodotto e deve essere sfornato regolarmente, afferma il miliardario Daniel Ek. Vai a farti fottere.”
Music=product, and must be churned out regularly, says billionaire Daniel Ek.
LANA DEL REY, cantautrice tra le più amate e vincitrice di numerosi premi e riconoscimenti, pubblicherà il 29 settembre il suo primo libro di poesie, una raccolta intitolata “Violet Bent Backwards Over the Grass”.
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La raccolta, che comprenderà più di 30 poesie, è accompagnata da un audiolibro in cui LANA DEL REY interpreterà 14 delle sue composizioni musicate del suo collaboratore di lunga data Jack Antonoff, musicista vincitore di un Grammy Award e accanto a lei già nell’ultimo album “Norman Fucking Rockwell!”.
L’audiolibro, già disponibile nei principali retailer digitali di audiolibri e salito subito al 1mo posto in America e Gran Bretagna su Amazon e Apple, contiene anche la poesia “LA Who Am I to Love You?”, disponibile da oggi in tutti gli store digitali.
La versione fisica dell’audiolibro sarà disponibile in Cd e Vinile dal 2 ottobre.
Lana Del Rey parlando della raccolta ha raccontato:
“Violet bent backwards over the grass è il titolo della mia raccolta di poesia, la prima di molte altre. Alcune di loro sono arrivate a me in modo complete, le ho prima dettate e poi trascritte, ad alcune invece ho dovuto lavorare duramente per ogni singola parola per arrivare alla poesia perfetta. Sono eclettiche e oneste e non provare ad essere nulla di diverso da quello che sono e per questo sono così orgogliosa, soprattutto perché lo spirito con cui sono state scritte era così autentico.
Sono felice di donare una cospicua parte dei proventi della vendita alla Native American organisations perché le esperienze che ho fatto hanno estremamente ridefinito il corso della mia vita”.
Queste le poesie raccolte nell’audiolibro:
LA WHO AM I TO LOVE YOU
2. THE LAND OF 1,000 FIRES
3. VIOLET BENT BACKWARDS OVER THE GRASS
4. PAST THE BUSHES CYPRESS THRIVING
5. SALAMANDER
6. NEVER TO HEAVEN
7. SPORTCRUISER
8. TESSA DIPIETRO
9. QUIET WAITER BLUE FOREVER
10. WHAT HAPPENED WHEN I LEFT YOU
11. HAPPY
12. MY BEDROOM IS A SACRED PLACE NOW – THERE ARE CHILDREN AT THE FOOT OF MY BED
13. PARADISE IS VERY FRAGILE
14. BARE FEET ON LINOLEUM
I Bastille tornano con un nuovo singolo “What you gonna do???” in collaborazione con Graham Coxon.
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“Non appena abbiamo finito la canzone, abbiamo sentito l’urgenza di farla uscire, senza aspettare“, ha dichiarato il cantante Dam Smith.
Il singolo arriva a sorpresa dopo il terzo album della band, “Doom Days”, – l’ultima puntata di una trilogia che ha attraversato otto anni e che ha portato i Bastille al successo in tutto il mondo.
“Questa fase è un nuovo inizio per noi. E’ come se ricominciassimo da capo“, afferma Dan “Siamo così eccitati dal lavoro che abbiamo fatto che vogliamo pubblicare la canzone ora senza aspettare che l’intero album sia finito.”
Il nuovo brano, prodotto da Dan e Mark Crew e con la collaborazione di Graham Coxon alla chitarra e voce, è accompagnato da uno straordinario video: un vero e proprio mash up di illustrazioni, fotografia e live action che ha dato vita a uno stile unico e innovativo.
E’ su tutte le piattaforme digitali il nuovo singolo di Sam Smith, “My Oasis” in collaborazione con Burna Boy.
. “My Oasis” segna l’inizio di un nuovo capitolo per Sam Smith che ha venduto finora oltre 25 milioni di album in tutto il mondo. L’intesa tra l’artista inglese e Burna Boy è stata perfetta e il risultato è una canzone d’amore caratterizzata dalle loro particolari e inconfondibili voci.
“Questo brano ha scaturito in me emozioni fortissime in questo periodo” racconta Smith che ha scritto il brano con Jimmy Napes e Burna Boy. “Ammiro Burna Boy da anni ormai e sono felicissimo di avere collaborato con lui“.
Sam Smith , uno dei più celebri artisti della recente scena musicale britannica, continua a battere i record di streaming, a registrare il tutto esaurito nei tour mondiali e a raccogliere importati riconoscimenti, quali quattro GRAMMY Awads, tre BRIT, un Academy Award e un Global Globe. My Oasisè l’inizio di un nuovo progetto.
A Niccolò Fabi e alla cantautrice e violinista pugliese HER vanno i premi della XXIII esizione del festival Voci per la Libertà – Una canzone per Amnesty
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La manifestazione sostenuta da Amnesty International Italia e dedicata alla musica emergente ispirata ai temi dei diritti umani, è arrivata quest’anno alla sua XXIII edizione.
Domenica 2 agosto a Rosolina Mare si è svolta la serata finale del concorso in cui sono stati assegnati due Premi Amnesty, quello per i big assegnato a Niccolò Fabi per la canzone “Io sono l’altro”, contenuto nell’album “Tradizione e tradimento”, e quello per gli emergenti andato ad HER, per il brano “Il mondo non cambia mai”.
Tra gli ospiti delle tre serate della manifestazione Marina Rei, Margherita Vicario e Lercio.
Il premio della critica è andato invece alla cantautrice romana Agnese Valle per il brano “La terra sbatte“.
Gli otto artisti che si sono esibiti durante le semifinali per contendersi il Premio Amnesty International Italia sezione Emergenti sono stati: Micaela Tempesta, H.E.R., Nuju, Adriana Iè, Ennesimo Piano B, Agnese Valle, Mattia Bonetti e Assia Fiorillo.
Queste le dichiarazioni di HER dopo la premiazione:
“Il mio premio lo dedico a Patrick Zaky, attivista per i diritti umani, in carcere in Egitto, reo semplicemente di aver sostenuto i principi dell’uguaglianza. Questo è un premio che per me rappresenta un riscatto, perché io stessa ho vissuto la discriminazione sulla mia pelle”. “Il mondo non cambia mai” di H.E.R. era già stata la colonna sonora della Giornata Internazionale contro l’Omofobia, Lesbofobia e Transfobia lo scorso 17 maggio.
Niccolò Fabi ha invece dechiarato:
“L’altro che mi interessa non è necessariamente il diverso, nella accezione più iconografica e scontata della diversità etnica sociale o religiosa. Ho provato a parlare semplicemente dell’altro e della sua importanza. Di ogni altro che è il potenziale responsabile della nostra salvezza come della nostra infelicità, così come reciprocamente noi lo siamo della sua. Sono particolarmente orgoglioso cheAmnesty International e Voci per la libertà abbiano riconosciuto come riuscito il mio tentativo, premiando questa canzone“.
È disponibile in tutti gli store digitali “MY FUTURE”, il nuovo singolo di Billie Eilish.
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Scritto e registrato a Los Angeles durante il lockdown, prodotto dal fratello FINNEAS, “MY FUTURE” è il primo inedito della 18enne americana dalla pubblicazione del suo album “WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?” (marzo 2019 e disco di Platino in Italia) e dall’uscita del brano per la colonna sonora di 007 “NO TIME TO DIE” (febbraio 2020).
Ad accompagnare il brano MY FUTURE un bellissimo video creato dall’australiano Andrew Onorato.
Rimasti isolati a Los Angeles, con più tempo e spazio a disposizione, “MY FUTURE” è frutto di una giovane donna più sicura, che trova del tempo per sé stessa, si domanda cosa ci sia davanti a lei, il significato di un nuovo capitolo che aspetta questa teenager.
Il 2020, nonostante il rinvio del suo tour mondiale, ha regalato a BILLIE EILISH grandi riconoscimenti. Dopo aver sbancato i Grammy Awards (l’artista più giovane a vincere in tutte le categorie principali aggiudicandosi cinque vittorie in totale) e aver ammaliato tutti durante la notte degli OSCAR, la pluripremiata BILLIE EILISH ha firmato e presentato all’ultima edizione dei BRIT AWARDS“NO TIME TO DIE”, brano ufficiale del prossimo film di James Bond.
Billie Eilish è la più giovane artista della storia ad aver scritto e registrato il brano portante della colonna sonora di un film della saga di James Bond.
La rassegna avrà luogo 7 agosto al 5 settembre. L’ingresso agli spettacoli sarà gratuito ma bisognerà prenotare on line attraverso il sito del Teatro Nazionale di Genova
. Un camion che magicamente si apre e diventa palcoscenico con luci e scenografie, pronto a portare un carico di bellezza nelle piazze di Genova e della Liguria.
È questo il fulcro di Tir – Teatro In Rivoluzione, progetto ideato da Davide Livermore e promosso dal Teatro Nazionale di Genova, di cui è direttore, in partnership con il Comune e la Regione Liguria.
Il cartellone decollerà con Bastiano e Bastiana di Mozart, regia dello stesso Livermore, che riprende la produzione originale “Bastià i Bastiana” realizzata a Valencia per il Palau de Les Arts Reina Sofia (da lui diretto dal 2015 al 2017). Tradotto in italiano e messo in scena con un nuovo cast che comprende 4 attori, 3 cantanti e 6 musicisti (con la direzione musicale di Aida Bousselmà) lo spettacolo, che sarà presentato in tutte le località toccate dal TIR, è co-prodotto dal Teatro Nazionale di Genova con il Teatro Carlo Felice.
“Dalla Barraca di Garcìa Lorca al Carro di Tespi, lo spettacolo su ruote, il teatro itinerante, esiste da sempre. In questa fase della nostra storia e della nostra vita è fondamentale che un teatro pubblico trovi ogni mezzo per andare incontro alla gente, restituendogli la cultura e la bellezza, di cui tanto abbiamo sentito la mancanza durante il lockdown. È una nostra precisa responsabilità, ed è ciò che ci qualifica come società civile”. Ha dichiarato il direttore Livermore che ha deciso di proporre tutti gli spettacoli di questa rassegna estiva su un TIR capace di trasformarsi in un palco mobile, identico a quelli che si trovano nei prestigiosi teatri. “Portare sotto casa dei cittadini liguri l’esperienza dello spettacolo dal vivo, muovendoci agilmente da ponente a levante, è la cosa più bella che potessimo fare”.
Fornito da una ditta specializzata, il camion / teatro da chiuso è lungo 9,25 mt. e largo 2,35 mt. Si apre grazie a un complesso sistema idraulico, che sviluppa un palcoscenico di tutto rispetto, largo 15 metri, profondo 8,5 e altrettanto alto, capace di accogliere meccanismi scenici complessi, come si avrà modo di osservare con Bastiano eBastiana. In programma, oltre all’opera di Mozart, i recital di Paolo Rossi, Laura Marinoni, Elisabetta Pozzi, Lella Costa, Valentina Lodovini e le serate Homo Ridens, pillole di comicità letteraria con attori e musicisti.
Gli eventi sono a ingresso libero ma per le norme anti Covid è necessaria la prenotazione (non oltre 4 posti per ogni prenotazione). Per effettuarla occorre andare sul sito: teatronazionalegenova.it/ .
All’ingresso di ogni spettacolo sarà sufficiente presentare il QR code digitale o cartaceo.
Di seguito il calendario tutte le tappe da venerdì 7 agosto a sabato 5 settembre 2020
GENOVA PIAZZA DELLA VITTORIA:
Venerdì 7 e sabato 8 agosto Bastiano e Bastiana di Mozart regia Davide Livermore
Domenica 9 agosto ore 21 Pane o libertà – Su la testa di e con Paolo Rossi
Sabato 15 agosto ore 21 Bastiano e Bastiana di Mozart regia Davide Livermore
Domenica 16 agosto ore 21 Elena di Ghiannis Ritsos
con Elisabetta Pozzi
GENOVA VILLA BOMBRINI: Mercoledì 19 e venerdì 21 agosto ore 21 Bastiano e Bastiana di Mozart regia Davide Livermore
Giovedì 20 agosto ore 21 La Gilda da Giovanni Testori
un progetto di e con Laura Marinoni e Alessandro Nidi al pianoforte
Sabato 22 agosto ore 21 Homo Ridens Medley a cura di Giorgio Gallione
con Bettedavis Duo, Paolo Li Volsi, Alessandro Pizzuto
Domenica 23 agosto ore 21 A Woman Left Lonely – Omaggio a Janis Joplin con Maria Grazia Solano
GENOVA FASCIA DI RISPETTO DI PRA’:
Mercoledì 26 agosto ore 21 Bastiano e Bastiana di Mozart regia Davide Livermore
Giovedì 27 agosto ore 21 La Gilda da Giovanni Testori
un progetto di e con Laura Marinoni e Alessandro Nidi al pianoforte
Venerdì 28 agosto ore 21 Tutta casa, letto e chiesa di Dario Fo e Franca Rame
con Valentina Lodovini
Sabato 29 agosto ore 21 La vedova Socrate di Franca Valeri
con Lella Costa
Domenica 30 agosto ore 21 Homo Ridens Medley a cura di Giorgio Gallione
con Lisa Galantini, Giua, Paolo Li Volsi, Alessandro Pizzuto
SANTO STEFANO MAGRA:
Martedì 1 settembre ore 21 Bastiano e Bastiana di Mozart regia Davide Livermore
BUSALLA:
Sabato 5 settembre ore 21 Bastiano e Bastiana di Mozart regia Davide Livermore
Intervista al giovane Manfredi uscito con il brano e video “Ballare con te”
. “Estate… il momento giusto per fare quello che non hai mai fatto“
Navigando nel mare infinito della produzione musicale indipendente capita raramente di approdare su una qualche spiaggia capace di accoglierti e rapirti, magari facendoti rivivere un brivido della tua, ormai passata, spensierata gioventù.
Ma se su quella spiaggia ritrovi la vespa che hai sempre sognato guidata da un tipo che ha le mie stesse rotondità e che adesso, quasi come Baglioni, saprebbe cosa dire e cosa fare per riconquistare il suo primo amore… beh allora è il luogo giusto dove fermarsi.
Ed è proprio su questa spiaggia che Manfredi fa centro cantando la sua “Ballare con te“: un brano fresco, pulito, coinvolgente, per nulla banale, modernissimo eppure lontano dai cliché e dal linguaggio delle produzioni attuali. Ricco di spunti genuini, forse nostalgici, raccontati da chi forse non li ha nemmeno vissuti: il Festivalbar, la Vespa Special, la bellezza eterna di un amore vero ma ingenuamente mancato.
Classe 1995, Manfredi nasce a Milano ma cresce e si forma a Palermo. Si appassiona al mondo musicale sin da piccolo. Inizialmente creare la propria musica per se stesso, in modo da scoprire pensieri che rimanevano nascosti. Cresciuto in una famiglia piena di musicisti si forma con influenze di musica jazz ma trova nel pop e nell’hip hop la possibilità di esprimersi raccontando il suo punto di vista sulla società.
Il video di “Ballare con te” è davvero bello. Prodotto da ATOM, con la produzione esecutiva di Giulia Galati per la regia regia di Edoardo Abbadessa e Walter Chiello, ed interpretato da Rosario Terranova, Vanessa Galipoli, Andrea Castellana e Antonino Sirchia. Distribuito da SONY MUSIC ENTERTEINMENT.
Ho intervistato Manfredi per farmi raccontare qualcosa di più di lui, della sua arte e del suo amore per la sua città. Per cui non aggiungo altro e vi invito a leggere avanti e sopprattutto ad ascoltare “Ballare con te“: vi piacerà!
INTERVISTA a MANFREDI
Ciao Manfredi. Grazie per la tua disponibilità. Inizio facendoti i complimenti per “Ballare con te“: la trovo molto in linea coi tempi ma allo stesso tempo fresca, pulita e coinvolgente, lontana dai cliché e dal linguaggio delle produzioni di tanti artisti attuali. E soprattutto assolutamente non banale. Come è nata e a cosa ti sei ispirato?
La mia intenzione era quella di distaccarmi dai trend odierni per poter parlare di ciò che molti hanno messo da parte, alcuni ricordi che fanno parte della nostra immaginazione collegata all’estate italiana. Quel momento un pò retrò che riesce a scaldarci il cuore mentre speriamo che possa tornare. Il festivalbar, la vespa ed il solo potersi guardare negli occhi mentre si ascolta il mare in spiaggia. Ho sentito, essendo giovanissimo, il desiderio di inserire anche quello che oggi mi circonda, come i social, senza però dare a loro tutta l’importanza ma renderli comunque parte di quella che oggi è la nostra vita ed il nostro modo di condividerla con il mondo. Un punto di vista diverso, questa volta legato ad un professore e non ad uno studente… una persona cresciuta con il rimpianto di non aver trovato il coraggio in giovane età per invitare a ballare una persona speciale… tuttavia il tempo ci cambia e ci fa crescere, alcune volte dandoci la possibilità di rimediare.
Come ti sei formato come artista e quali sono i tuoi riferimenti?
Ho trovato un amore nel suonare sin da piccolo, ascoltando e replicando con il pianoforte o la chitarra i brani che più mi piacevano, partendo dal jazz fino alla musica Pop che ha conquistato le classifiche degli anni 60 e 70. Ho trovato tanti riferimenti sia nella musica internazionale che nazionale, ammirando artisti come, De Andrè, Bongusto, Buscaglione, Beatles, Pink Floyd…
Chi sono i tuoi compagni di viaggio in questo brano?
Questo Brano ha una bella storia alle spalle. Ho avuto modo di incontrare (seppur se virtualmente tramite social) dopo alcuni mesi, più precisamente durante il lockdown, Tepai, un giovanissimo creativo e producer con il quale ho lavorato più volte per le mie basi e con il quale più volte ci siamo ripromessi di creare qualche progetto interessante. L’occasione è arrivata durante alcune notti di fine Maggio: approfittando di alcuni scambi creativi ci siamo dedicati alla stesura di una prima bozza della parte musicale insieme Samuele Battaglia, nostro amico presente durante i lavoro e che contributo con i suoi pareri sul come stavamo procedendo. Successivamente il pezzo è stato affidato alle mani di Fabio Castorino che, insieme all suo team ed a Riccardo Borsellino, hanno modellato la base fino a renderla speciale. Il testo invece è nato durante una lunghissima passeggiata notturna in giro per la città di Palermo.
Infatti ho notato che nei tuoi testi e nei tuoi video è molto presente la tua città. Traspare un forte amore per questa terra. Mi riferisco certo al video di “Ballare con te“, ma soprattutto al testo di “Palermo suona“. Qual’è il tuo rapporto personale e artistico con Palermo?
Inizialmente non pensavo che un giorno avrei scritto un testo dedicato a Palermo, ma nell’ultimo periodo ho iniziato ad apprezzarla sempre più: i suoi luoghi e le sue ambizioni. Ci sono ancora tante cose che mi piacerebbe potessero cambiare, ma sono certo che il tempo possa fare la differenza.
Hai già una tua attività live?
No, infatti non mi ritengo ancora un cantante ma solo un ragazzo, a tratti intonato, che ha tanto da raccontare. Ho appena iniziando adesso ad assaggiare il palco ed a comprendere come poter migliorare.
Sogni nel cassetto?
La musica resta sempre un sogno, ma per fortuna a volte si aprono delle piccole porte che permettono di farsi sentire.
Il 29 agosto a Cinecittà World a Roma, dalle ore 20.00 in poi, si terrà a battesimo il primo concerto olografico prodotto in Italia: “Il Brigante” tratto dall’omonimo concept album dei Deshedus, prodotto da Mauro Paoluzzi, già lungimirante produttore di Gianna Nannini e Bluvertigo.
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Paoluzzi ha un gran fiuto per i veri talenti e altrettanta competenza nel lanciarli. Dopo la produzione dell’album di debutto dei Deshedus, che ha richiesto un anno e mezzo di lavoro, ha coinvolto nel progetto la società Naumachia Network, leader in Italia, Svizzera e Francia nella produzione olografica. La regia è stata affidata a Roberto Manfredi già produttore discografico, autore televisivo e regista di film, documentari e spettacoli di lunga esperienza.
Negli studi milanesi di Naumachia sono state prodotte tutte le scene e le immagini che accompagneranno il concerto live dei Deshedus. Praticamente un film rock di assoluta innovazione per l’Italia, a modello dei rock movie degli anni settanta ma con l’ausilio di inedite tecnologie, come l’holonet, una rete di sottilissime lamine metalliche trasparenti, lunga 15 metri e alta sette.
Praticamente uno schermo invisibile dove le immagini “porteranno” la band e gli spettatori in un mondo tridimensionale ad altissima definizione. Un concerto-evento ideale per Cinecittà World che dispone di un teatro meraviglioso con una capienza attuale di 700 posti.
Al termine del concerto evento dei Deshedus, si terrà un secondo concerto con la partecipazione di Morgan e Andy dei Bluvertigo, seconda novità assoluta dell’estate 2020.
L’album “Il Brigante” con musiche composte dallo stesso Paoluzzi e i testi scritti da Elio Aldrighetti rappresenta una fusione tra la vecchia e la nuova generazione rock-prog. Contenuti attualissimi e sonorità dimenticate nel tempo.
I Deshedus raccontano il caos mondiale, attraverso temi quali il degrado ambientale, il femminicidio, il mito infranto della vecchia America ma che ancora oggi rappresenta il nuovo ordine mondiale, il futuro di un’umanità impreparata e smarrita nella civiltà tecnologica e artificiale.
Temi e visioni che ricordano alcune suggestioni di Roger Waters ma proposte da musicisti giovanissimi (il bassista è ancora minorenne) dotati di una grande energia. In particolare il front man Alessio Mieli è un vero animale da palcoscenico. Roberto Manfredi, che ha curato e diretto tutta la produzione olografica con la supervisione di Francesco Sicolo, è stato catturato dall’album al primo ascolto.
“ Il Brigante è un album assolutamente visionario anche se descrive la realtà attuale con una lucidità impressionante, oltretutto suonato e cantato da giovani di vent’anni o poco più. Nel panorama italiano, I Deshedus sembrano provenire da un altro pianeta e da un’altra epoca. Omaggiano Franco Battiato, anche se sono cresciuti con i Muse, irridono i potenti come Trump e citano Shakespeare. Sono veramente onorato di lavorare con loro e con un grande artista visionario ma concreto come Mauro Paoluzzi, uno che ancora stampa i vinili degli artisti che produce e al contempo ammira l’olografia. Sono un esempio artistico straordinario”.
Appuntamento a Cinecittà World il 29 agosto. Inizio concerto ore 20.00. Comunque vada sarà un concerto storico: il primo assoluto concerto olografico italiano.
Torna Neil Young, classe 1945, con un album registrato però all’età di trent’anni, intorno al 1975, rimasto nel cassetto per quarantacinque anni.
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Cantautore canadese di nascita ma vissuto quasi sempre negli Usa, Neil ha finalmente assunto la cittadinanza statunitense solo nel 2020; varie peripezie sentimentali e di salute, talento compositivo e vocale influenzato originariamente dal folk ma contaminato da tantissimi altri fattori, carattere particolare, lo spessore della produzione del nostro è enorme non solo in ambito nordamericano ma mondiale.
Il “nuovo” lavoro Homegrown, recentemente uscito è composto da dodici brani dei quali cinque già editi, è stato registrato durante un periodo difficile dovuto alla dolorosa rottura del rapporto sentimentale con Carrie Snodgress; la particolarissima voce di Neil, già abitualmente malinconica, permea di sentimento un prodotto di colore generale scuro e venato di liricità.
Una introduzione strumentale di grande atmosfera apre il primo brano, “Separate ways”, composizione non banale, interessante anche armonicamente; la voce di Neil è sempre emozionante, soprattutto per chi ha vissuto quel periodo ed ha letteralmente consumato i suoi vinili storici, primi fra tutti Harvest, Zuma e Deja Vu (con i C.S.N.&Y.). Peccato per la sfumata truce.
Tutti i brani hanno la loro dignità, forse non ci sono delle pietre miliari ma sicuramente, rispetto alla sciatteria compositiva attualmente imperante, ai giorni nostri potrebbero essere usati come singoli di punta con cui tentare di far svoltare una carriera.
In particolare, “Try” e “Love is a rose” sono delle ballate di ispirazione popolare, in quest’ultima ci sono anche basso e armonica in bella evidenza; l’ambientazione ispirata è affascinante tanto che sembra di stare in negli States o in Canada, la voce di Neil sempre personalissima, pur essendo caratteristicamente strascicata è a modo suo swingante.
“Homegrown”, il brano che dà il titolo al CD, è una sorta di filastrocca country mescolata con venature blues mentre “Mexico”, realizzata solo con piano e voce è forse la canzone più interessante: incuriosisce pensare a cosa sarebbe potuta diventare con sviluppo e realizzazione più ampie.
“Kansas” già dall’incipit strumentale identifica il mondo di Neil Young, è un brano esplicativo di cosa voglia dire “aver tracciato una strada musicale”; di suo la canzone è bella e gli interventi di armonica hanno qualcosa di psichedelico.
Spiccano inoltre il terzinato “We don’t smoke it no more blues”, bello come tutti i blues veri, eseguiti con passione e genuino blues feeling e “White line”, canzone che al periodo sarebbe velocemente entrata in repertorio delle band e dei chitarristi, al pari dei classiconi di “Harvest”.
Il lavoro si chiude con “Little wing” e “Star of Bethlehem”, peraltro già pubblicate a suo tempo, ma l’ultima emozione è data da “Vacancy”, in cui colpiscono le nobili sonorità C.S.N.&Y.: il mood è tutto lievemente più aggressivo, chitarre distorte, scansione sul charleston mezzo aperto, basso deciso, belle dinamiche e belle timbriche.
Viene naturale calarsi nell’aspetto dell’apporto strumentistico: è facilmente individuabile la divisione delle parti di ognuno, l’uso dei balance e delle sonorità, i colori, l’interplay, la differenza ed il senso dei vari mood che si susseguono. Ci sono state prove, dialogo tra musicisti veri, sperimentazione. Poche timbriche ben rapportate, non bulimicamente sovrapposte. Non c’è mai niente di inutile, gli strumenti accompagnano e colorano in modo chiaro, efficace e leggibile. Le chitarre acustiche sono suonate come si deve, ci sono slide e armoniche, le radici folk sono sempre ben chiare ma i suoni delle chitarre distorte sono sempre veraci, quelli che tuttora ci si affanna a riprodurre in digitale con risultati non sempre altrettanto efficaci.
Il disco è bello, ricco di interessanti spunti sia melodici che armonici e la voce e l’interpretazione di Neil non deludono: è un lavoro di quarantacinque anni fa ma per niente datato, anzi l’impressione è che i migliori prodotti attuali come ad esempio John Mayer continuino a dovere tanto a quel periodo, e che per il resto ai nostri giorni musicalmente ci sia molto da rimpiangere.
Tracklist “Homegrown” – Neil Young
Side one
“Separate Ways” “Try” “Mexico” “Love Is a Rose” “Homegrown” “Florida” “Kansas”
Side two
“We Don’t Smoke It No More” “White Line” “Vacancy” “Little Wing” “Star of Bethlehem”
Il MEI 2020, Meeting delle etichette indipendenti, in programma a Faenza (Ravenna) dal 2 al 4 ottobre, ha già assegnato i primi premi.
. Premiati Tosca, Piero Pelù, Gianni Maroccolo e Omar Pedrini:
A Tosca il Premio Nilla Pizzi come miglior artista in gara al 70/o Festival di Sanremo;
A Omar Pedrini la Targa per i 25 anni di ‘2020 Speedball’, 5nto album dei Timoria “che anticipava in tempi non sospetti il tema della realtà virtuale e si è rivelato profetico per i temi ecologici trattati, oggi più attuali che mai“.
A Piero Pelù il premio per i 40 anni di carriera “per aver portato il rock alternative italiano ai vertici delle classifiche, legando sempre la sua musica a un forte impegno civile e sociale“;
A Gianni Maroccolo, altro fondatore dei Litfiba e dei Csi, il premio per i 40 anni di carriera “per la ricerca, lo spirito innovativo e la voglia di sperimentare con il rock“.
Presente a Faenza anche Toz Antonio Piretti, che in quel frangente festeggia la fine del suo tour in bici “Not only a currency“, dopo aver percorso ben 6.000 chilometri attraverso 16 Paesi dell’Unione europea.
In cartellone anche un omaggio al maestro Castellina per il centenario della nascita: l’Orchestra Castellina-Pasi con “Buon compleanno Castellina”.
Ci sarà anche il “Pivi 2020” con cui si premierà il miglior videoclip indipendente dell’anno.
Sono state prorogate al 30 agosto le iscrizioni a “Mei Superstage“, il contest che riguarda gli emergenti under 30 e che permetterà a questi ultimi di esibirsi sul palco del Mei 2020.
Intanto sul web il Mei ha creato un format per far interagire i fan della manifestazione anche in questo particolare momento che prevede il distanziamento.
Ricordiamo che ne suoi 25 anni di attività il MEI, con tutte le sue attività ( edizioni ufficiali, più edizioni speciali), ha registrato più di un milione di presenze, con la partecipazione di più di 10 mila artisti e band dal vivo, e 5.000 realtà musicali coinvolte in expo e convegni.
Bocelli prima prende parte ad un progetto ONU per sensibilizzare la gente a stare attenta al covid e tre mesi dopo partecipa ad un raduno negazionista al senato per dire tutto il contrario.
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Questo 2020 ci ha sicuramente messi a dura prova. Ci ha messi di fronte ai nostri limiti, intellettivi, morali e di buon senso. E’ bastato un virus sconosciuto per accellerare derive autodistruttive già in atto.
Avevamo la possibilità di riscattarci con una pandemia che ci costringeva a guardare oltre e a collaborare tutti insieme. Ma siamo stati più forti noi, e abbiamo tratto il peggio dal peggio, il male dal male, lo schifo dallo schifo.
Abituati come siamo a correre dietro al pazzo di turno, ci siamo lasciati guidare dal nulla, dall’ignoranza, dall’incoscienza, dal tuttologismo, dal rutto, dal complottismo a tutto tondo che tutto travolge e tutto calpesta.
Il momento del lockdown ha diviso la gente tra i cazzari e gli incoscienti che hanno deciso che il virus non esisteva e se esisteva era una semplice influenza, e i poveri disgraziati, impotenti che hanno dovuto vivere sulla propria pelle, nella completa solitudine, l’inferno di una battaglia tra la vita e la morte mentre soffocavano letteralmente nel liquido dei propri polmoni. A questi si aggiunga tutta la gente con patologie che ha rischiato (e rischia) di entrare nelle fauci della bestia del Coronavirus e tutti i parenti che vivono la tragedia di non poter stare accanto ai propri cari nei momenti più tragici della loro vita.
E tutta la contraddizione umana ha trovato un amplificatore perfetto nei social e nella propaganda pseudo-ideologica a cui impropriamente viene affiancata la parola “politica”, che come sempre trova i suoi adepti pronti a belare e sfoggiare il proprio tifo da stadio e pensiero da bar, mettendo sempre più facilmente in stand by il cervello… perchè pensare con la propria testa fa fatica, cercare la conoscenza è spossante, porsi delle domande è snervante. Meglio il gregge, perchè c’è sempre qualcuno avanti a te che crea la scia e va… bisogna solo seguire e scorreggiare.
Un esempio tipico e palese di tutto quanto sopra è l’ultima vicenda che vede come protagonista Andrea Bocelli.
Non più tardi di qualche mese fa, il 18 Aprile, Bocelli veniva chiamato da Lady Gaga e dall’Organizzazione mondiale della sanità, da un’agenzia speciale dell’ONU, a partecipare al “One World: Together at Home” (leggi nostro articolo) insieme a Elton John, Alanis Morissette, Chris Martin, Eddie Vedder, John Legend, Paul McCartney, Stevie Wonder, Taylor Swift, Céline Dion, Jennifer Lopez, Sam Smith e tanti altri.
Lo scopo dell’iniziativa era di raccogliere fondi per combattere il Covid e sensibilizzare la gente a rispettare il distanziamento sociale, ad usare le mascherine, restare in casa ecc ecc …
Dopo qualche mese lo stesso Bocelli partecipa ad un raduno negazionista Covid al senato con la melma della destra più becera che ci sia.
Qualche ora dopo, dopo le tante polemiche e le proteste, Bocelli penosamente ritratta dicendo che è stato frainteso e che lui è un ottimista. Insomma, la toppa è stata peggio del buco. Il silenzio sarebbe stato più idoneo.
Questo quanto da lui detto in senato nel convegno negazionista: “Quando siamo entrati in pieno lockdown ho anche cercato di immedesimarmi in chi doveva prendere decisioni così delicate. Poi ho cercato di analizzare la realtà e mi sono reso conto che le cose non erano così come ci venivano raccontate. Io conosco un sacco di gente, ma non ho mai conosciuto nessuno che fosse andato in terapia intensiva, quindi perché questa gravità? C’è stato un momento in cui mi sono sentito umiliato e offeso per la privazione della libertà di uscire di casa senza aver commesso un crimine e devo confessare pubblicamente di aver disobbedito a questo divieto che non mi sembrava giusto e salutare”.
A questo punto sorgono delle domande: o Bocelli ad Aprile potrebbe aver preso bellamente per il culo tutti i suoi colleghi internazionali e l’ONU partecipando ad una iniziativa in cui non credeva solo per apparire promozionalmente insieme a big di caratura internazionale, o potrebbe essere un incoerente ipocrita di caratura stratosferica.
Avrei voluto passare io il lockdown dorato, nella sua villa dorata, come l’ha passata lui… mentre gente indigente e indifesa moriva di Covid nelle sale di rianimazione.
Io fossi in lui mi sarei vergognerei un tantino!!!
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P.S.
Da non dimenticare che Bocelli è andato anche a cantare in Duomo a Milano per le vittime del Coronavirus. Il video di quell’evento, su YouTube, ha avuto 40 milioni di visualizzazioni, e solo per questo ha guadagnato circa 80.000 euro per le pubblicità, speculando di fatto su tutte quelle vittime che lui dice oggi non esserci state.
Non aggiungo altro…
Una inedita versione di Crêuza de mä del grande Faber sarà la colonna sonora del nuovo Ponte Genova San Giorgio.
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Così la musica italiana omaggerà Genova durante la cerimonia di inaugurazione, il 3 agosto, del ponte costruito a tempo di record, in soli due anni.
La canzone è un classico, un brano mitico scritto da Fabrizio De André e Mauro Pagani, su iniziativa di Dori Ghezzi, e nel corso degli anni è stato interpretato da diversi grandi artisti.
Dori Ghezzi, insieme a Sony Music, Nuvole Production e la Fondazione Fabrizio De André Onlus, ha dato vita ad una versione inedita della canzone che fosse intimamente legata a Genova, alla sua anima, alla sua musicalità, alla sua lingua e profumi.
Tutto il progetto ha alla fine preso vita grazie alla collaborazione di 18 grandi artisti, tra cui
Mina, Zucchero, Mauro Pagani, Giua, Vinicio Capossela, Vasco Rossi, Paolo Fresu, Diodato, Gianna Nannini, Vittorio De Scalzi, Jack Savoretti, Antonella Ruggiero, Francesco Guccini, Ivano Fossati, Ornella Vanoni, Giuliano Sangiorgi, Cristiano De André, Sananda Maitreya.
Queste le dichiarazioni di Dori Ghezzi:
“La possibilità di realizzare una nuova versione di Crêuza de mä, per l’inaugurazione del Ponte mi ha coinvolta in modo particolare e insieme a me ha appassionato la maggior parte dei più bravi cantanti italiani, purtroppo non è stato possibile far partecipare tutti. Voglio ringraziarli tutti per la passione messa in questo lavoro e anche per l’amore dimostrato nei confronti di Fabrizio”.
Anche il sindaco di Genova Marco Bucci ha voluto dire la sua sul progetto:
“Ringrazio Dori Ghezzi e tutti gli artisti che hanno partecipato alla riedizione della bellissima canzone Crêuza de mä per noi è un grande segnale per la città e per la ricostruzione del Ponte, ma anche un segnale di rispetto per le vittime e le loro famiglie. La versione inedita di Crêuza de mä debutterà il 3 agosto, durante la cerimonia di inaugurazione del ponte e in via Garibaldi, mentre dal giorno dopo verrà divulgata sui canali social della città Genova more than this. Il tutto senza scopo di lucro”.
Achille Lauro rende omaggio ai favolosi 90’s con 1990, il nuovo side project titolato proprio con l’anno della sua nascita e in arrivo dopo il successo di Sanremo, dopo l’uscita di 16 marzo già certificato disco d’oro e di Bam Bam Twist ai vertici delle classifiche radiofoniche, e prima di un autunno che per Achille Lauro promette grandi sorprese.
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1990,da oggi è disponibile in tutti gli store e le piattaforme digitali, è il primo progetto di Achille Lauro come Chief Creative di Elektra Records/Warner Music Italy. E oltre a essere un geniale come back nella cultura pop anni Novanta, è un caldo abbraccio artistico da parte di molti dei più rilevanti Artisti della scena attuale, alcuni dei quali del gruppo Warner Music, con feat inediti e originali.
Gli anni 90 sono stati fondamentali per la crescita di Achille Lauro che oggi intende celebrarli con un album inaspettato e dirompente: da un lato il vuoto lasciato dalla morte di miti come Freddie Mercury (1991), Kurt Cobain (1994), 2 Pac (1996), Notorious B.I.G. (1997), dall’altra la nascita di un nuovo genere che dall’Europa ha conquistato presto tutto il mondo e che ha sicuramente travolto l’immaginario artistico di Lauro.
Un side project con 7 celebri hit mondiali “rigenerate” da Achille Lauro che ha voluto coinvolgere tanti amici: dalla storia della dance italiana e mondiale (Alexia, Eiffel 65, Benny Benassi) al panorama attuale (Ghali, Capo Plaza, Gemitaiz, Massimo Pericolo e Annalisa, già con Lauro nella serata delle cover dell’ultima edizione del Festival di Sanremo). Sono loro, insieme a produttori come Dardust, Gow Tribe, DIVA e Marnik, i protagonisti di 1990: un viaggio in cassa dritta che più che un tuffo nel passato è proiettato in un futuro senza tempo, con suoni e arrangiamenti che riescono ad essere attuali e si uniscono perfettamente al linguaggio di Lauro.
Un album che lascia senza fiato con una selezione di brani travolgente: Be My Lover dei La Bouche, Scatman’s World di Scatman John, Sweet Dreams (Are Made of This) degli Eurythmics(riportata al successo proprio negli anni Novanta da Marylin Manson), Me and You di Alexia, The Summer Is Magic di Playahitty, Blue (Da ba dee) degli Eiffel 65 e Illusion di Benny Benassi.
A dare una forma visiva alla musica, anche per questa occasione Achille Lauro propone un apparato iconografico forte declinato nelle tinte del rosa e del fuxia. L’assenza dell’artista è totale e lascia il palcoscenico al suo alter-ego giocattolo: una bambola dal look androgino, per ritrovare i segni delle sue radici musicali immerse proprio in quell’immaginario. La bambola è stata creata appositamente per l’occasione da Magia 2000, il duo di designer italiani Mario Paglino e Gianni Grossi, conosciuti in tutto il mondo e specializzati nella creazione e realizzazione di pezzi unici.
Disponibile su YouTube il videoclip del primo estratto da 1990, Scat Men feat. Ghali e Gemitaiz con la produzione di DIVA, DRD, Gow Tribe & Marnik. Riprendendo l’estetica di tutto il progetto grafico dell’album, anche nel video – per la regia di Anthony Rosati – il protagonista è l’alter-ego bambola di Lauro. In pieno spirito da super eroe, si muove su una cabrio rosa (la stessa dell’artwork di copertina, il codice d’accensione? “1990”, naturalmente) in quello che è un chiaro riferimento al mondo dei videogiochi degli anni Novanta. Raggiunto dai co-protagonisti Ghali e Gemitaiz, i tre, armati di bazooka, attraversano un universo fantascientifico con le diverse prove da superare, tra unicorni e valli incantate. L’ultima, la più epica, è lo scontro finale con un mostro cibernetico, sconfitto dal trio che riemerge vittorioso tra le fiamme, sul finale.
La creatività di tutto il progetto è affidata all’ormai consolidato team composto da Achille Lauro, Nicolò Cerioni e Angelo Calculli.
Disponibile in digital download e in audio e video streaming “Mi Perdido Amor”, il nuovo brano in spagnolo di Andrea Dessì con Mietta e Massimo Tagliata
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Il nuovo brano di Andrea Dessì feat. Mietta e Massimo Tagliata, “Mi perdido amor”, è disponibile, a partire dal 12 luglio, su tutte le piattaforme streaming e in digital download su etichetta PMS Studio. E dal 24 luglio è online anche il video ufficiale diretto dal regista Marco Lui.
Scritto con forti influenze spagnole, di base è una rumba, tipica danza flamenco. Il sound generale è stato arricchito con suoni vicini alla latin music e al latin jazz grazie all’arrangiamento del polistrumentista Massimo Tagliata. Vi è una commistione vera e propria fra suoni acustici, elettrici ed elettronici.
Il testo in spagnolo esalta la sua origini iberiche e la chitarra solista di Dessì evoca i grandi chitarristi flamenco del passato, come Paco De Lucia musicista flamenco che ha intriso di jazz la sua musica. Dessì, definito dalla stampa spagnola un “simpatizzante del Flamenco”, si potrebbe dire che ha intriso di flamenco il suo jazz.
Mietta dà ancora una volta conferma di grande vocalità ed espressività, confermandosi una delle migliori voci italiane, potendo spaziare in vari generi, dal pop al jazz, e si dimostra a suo agio nel cantare in spagnolo. Firma questo brano nella musica e nel testo per il suo indiscusso contributo artistico al brano e per la felice collaborazione con i Dessì Bros in atto da tempo.
La collaborazione di Mietta al progetto Jazz di Andrea Dessìe Massimo Tagliata risale al 2015 ed ha ottenuto negli anni consensi dalla critica e dal pubblico. Andrea Dessì aveva già scritto un altro brano sempre con testo di Michele Dessì, un tango-jazz dal nome “Semplice”, brano che è arrivato alla #1 nella classifica dei crossover jazz su iTunes. Anche in questa occasione Mietta ha dato prova di essere una cantante di grande spessore e talento con un’intensa e meravigliosa interpretazione.
Così commenta Andrea Dessì: «La contaminazione fra jazz e flamenco ho iniziato a farla intorno al 2006 quando ancora non era così di moda… per me è un fatto di gusti e di cultura. I ritmi spanish si baciano perfettamente con le armonie jazz ricche di colori e penso che questo tipo di musica abbia ancora da dire, può andare avanti, crescere e rinnovarsi. Il jazz e il flamenco non dimentichiamo che agli esordi erano entrambi per il ballo e l’intrattenimento, poi si sono evoluti anche per le sale da concerto».
IL TESTO
Influenze gitane, pennellate da cantautorato. Il testo spagnolo sembra una fusione poetica di due parolieri come Joaquin Sabina e Vinicio Capossela, uno profondamente madrilegno, l’altro esteta di un italiano visionario. Il tema dell’amore perduto, della malinconia improvvisa, della delusione di scoprire il ricordo più forte delle distrazioni, prende via dai ricordi spagnoli di Michele Dessì, che ha vissuto sulla sua pelle la vida latina della “ruta del bacalo valenciana”.
L’autore del testo, il romanziere Michele Dessì, dice che di quegli anni ha «un ricordo vivido, brillante, gioioso, stupito. La fiesta è una dimensione dell’animo spagnolo, una parte centrale della loro epopea popolare moderna. Dal piccolo pueblo, al cuore del barrio centrale di una grande città, le anime perdute degli innamorati infranti nella perdizione diventano dei poeti interiori che gridano nel silenzio».
In foto, da sinistra a destra: Massimo Tagliata, Andrea Dessì, Mietta, Roberto Rossi live al jazz club Bravo Caffè di Bologna. Crediti Foto: Claudio Costanzo.
IL PROGETTO
Il progetto discografico che include questo brano è una sorta di raccolta ambiziosa con ospiti eccellenti, con i lavori più significativi di Andrea Dessì dal 2019. Fra gli ospiti: Fabrizio Bosso, Sherrita Duran, Mietta, Massimo Tagliata e altre partecipazioni di rilievo.
Ogni brano che farà parte del cd che uscirà nel 2021 verrà lanciato come singolo, a volte anche con video. Sono tre le uscite fatte col feat. di Fabrizio Bosso, fuoriclasse del jazz alla tromba, e di Massimo Tagliata, prezioso musicista eclettico e polistrumentista: “Tamba”, “On Groovy”, “Big”. I tre brani portano influenze jazz, blues, progressive, fra anni ‘70 e suoni odierni. “Just You and I” con Sherrita Duran, invece, è un brano con forti influenze soul- blues, scritto a tre mani, che parte da Raffaele Montanari anche arrangiatore, con linee melodiche di Andrea Dessì ed il testo della Duran.
Saranno pubblicati di seguito altri brani blues e altri brani latin-jazz per evidenziare i due aspetti fondamentali della musica di Andrea Dessì: da un lato le composizioni acustiche mediterranee, flamenco, latin jazz, dall’altro un sound elettrico fortemente blues, jazz, funky, soul. L’album sarà diviso in due parti. I musicisti di riferimento sono per la parte jazz Kamasi Washington, Jimi Hendrix, Coltrane, Davis ed altri ancora. Per il latin jazz sono Paco De Lucia, Vicente Amigo e alcuni grandi compositori classici, Ravel, Debussy, Albeniz, Rodrigo ed altri ancora.
Andrea Dessì con questo progetto sfoggia la maturità musicale, compositiva e solistica raggiunta dopo oltre 20 anni di carriera, confermandosi uno dei chitarristi più virtuosi e versatili a livello internazionale. La squadra di musicisti che segue, supporta e valorizza le composizioni di Andrea Dessì sono Massimo Tagliata, pianista e fisarmonicista apprezzato in tutta Italia, Michele Dessì, autore di testi e scrittore in ascesa, ed il bravo Raffaele Montanari, produttore artistico che sa valorizzare e promuovere musica di qualità e artisti a cui sa dare il giusto valore, cosa non scontata di questi tempi.
Dopo l’uscita del successo pubblicato durante il lockdown, “Living in a ghost town“, i Rolling Stones pubblicano a sorpresa il brano “Scarlet” registrato nell’ottobre nel 1974.
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La particolarità di questa canzone è che tra i credit ci sono le firme di Jimmy Page dei Led Zeppelin e Rick Grech dei Blind Faith.
Il brano, dato a lungo per disperso, è un assoluto inedito perchè non era mai stato pubblicato prima, entrerà a far parte della tracklist del box set e nelle edizioni Deluxe del CD e del vinile “Goats Head Soup 2020“, disco che verrà pubblicato il 4 settembre da Polydor/Universal. L’album è una riedizione dell’album del 1973 Goats Head Soup. “Scarlet” farà parte del disco insieme ad altre due tracce mai pubblicate, “All the Rage” e “Criss Cross” e ad altre rarità, outtakes e versioni alternative.
Keith Richards ha dichiarato:
“Ricordo che entrammo in studio subito dopo la fine di una session degli Zeppelin. Stavano andando via e Jimmy decise di rimanere con noi. Non avevamo in testa di tenerla come una canzone vera e propria, di base era un demo, per catturare il feeling di quel momento. Ma è venuta fuori bene e con una line up del genere, sai, abbiamo fatto bene ad utilizzarla“.
E Mick Jagger ha aggiunto:
“Mi ricordo quando abbiamo provato il pezzo per la prima volta con Jimmy e Keith nello studio nella cantina di Ronnie. Fu una grande session“.
“Scarlet“non è l’unica collaborazione tra i Rolling Stones e i Led Zeppelin. La prima volta che Page suonò con gli Stones fu nel 1965, quando incisero insieme la demo per il singolo Heart Of Stone, versione che fu però pubblicata dieci anni dopo nella raccolta intitolata Metamorphosis.
Nel 1967 John Paul Jones collaborò nell’arrangiamento di She’s A Rainbow degli Stones. Nello stesso anno Jimmy Page suonò la chitarra nella colonna sonora del film Vivi ma non uccidere (A Degree Of Murder), firmata da Brian Jones.
Nel 1971 Ian Stewart dei Rollin Stones suonò il piano in Rock and Roll contenuto nell’album Led Zeppelin IV; lo stesso suonò una parte con un pianoforte a mezza coda nel brano Boogie With Stu, inserito poi nel disco Physical Graffiti del 1975.
Negli anni successivi Jimmy Page ha suonato dal vivo con Billy Wyman e Charlie Watts durante l’ARMS Charity Concert del 1983, prendere poi parte al progetto Willie and the Poor Boys, album realizzato di Wyman realizzato in collaborazione con diversi musicisti. In seguito, Page suonò un assolo nel brano One Hit (To The Body), contenuto nell’album Dirty Work del 1986.
Irene Grandi torna a Roma sul palco della Cavea dell’Auditorium Parco della Musica di Roma, con il suo Power Trio composto da Saverio Lanza alle chitarre e cori, Piero Spitilli al basso e Fabrizio Morganti alla batteria.
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Reduce da uno splendido Sanremo dove ha presentato “Finalmente Io”, brano scritto per lei da Vasco Rossi (insieme a Roberto Casini, Gaetano Curreri e Andrea Righi) e dalla recente pubblicazione di un secondo singolo, “Devi volerti bene” (brano che la stessa Irene ha firmato con Curreri, Romitelli, Casini e Pulli), la cantante fiorentina presenterà dal vivo uno spettacolo che ha il senso già nel titolo “Irene Grandi Power Trio”. Tutta la potenza, il coinvolgimento, la poesia della sua voce e il suo “essere rock” nell’anima per un concerto che, attraverso venticinque anni di successi, la confermerà interprete e autrice tra le più dotate.
Irene Grandi è un’artista che fa ricerca continua, nella musica come nella vita. Ha calcato grandi palchi collaborando con i più importanti nomi della musica italiana e internazionale. Eppure lo sguardo è sempre rivolto in avanti, sfidando il futuro e cercando sempre nuovi stimoli artistici e umani.
Molta della musica che sarà presentata in concerto a Roma è anche contenuta nel doppio album “Grandissimo” (2019 – Cose da Grandi / Artist First) raccolta che nell’edizione speciale uscita subito dopo Sanremo, contiene anche “Devi volerti bene” e “Finalmente io”. Grandissimo rappresenta i primi 25 anni di questa straordinaria artista, la sua anima plurale – rockettara ma anche cantautrice e interprete raffinata – in sedici brani di cui quattro inediti, sei hit riarrangiate live e sei classici riproposti nelle collaborazioni – nel disco – in duetto con Sananda Maitreya (Terence Trent D’arby), Loredana Bertè, Levante, Fiorella Mannoia, Carmen Consoli, Stefano Bollani.
E’ uscito “Tacco 12 e Giacca a Doppiopetto” il brano di esordio di Debora Anzilli, giovane cantautrice di origini Pugliesi, disponibile ora su tutti i digital store, insieme al video sul suo canale YouTube.
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A 16 anni scopre per gioco la sua passione per il canto partecipando ad una gara scolastica. Da allora comincia il suo percorso fatto di formazione vocale, concorsi canori e collaborazioni musicali con diversi progetti, che vanno dall’elettro-pop, piano/ synth e voce, al rock’n’roll e al funky.
“Tacco 12 e Giacca a Doppiopetto”, è interamente composto e arrangiato dalla giovane artista. Il brano affronta un tema abbastanza controverso che riguarda il mondo femminile, spesso incasellato in stereotipi , che neanche questo secolo fatto di progresso e libertà di pensiero riesce a scardinare. La femminilità e la sensualità di un tacco dodici coesistono con il lato maschile di una giacca a doppio petto, come nelle due facce di una stessa medaglia. Nel video, Debora veste entrambi gli abiti, simbolo di un dualismo legato al ruolo di generi che non ha timore di incarnare senza preferenze.
“Per me questo brano è un biglietto da visita” ci spiega “con cui rappresento la mia personalità e le mie idee … e credo che molte donne possano rivedersi nella mia storia”.
La scelta dell’arrangiamento, improntato su sonorità elettro pop, dà al brano e al testo la giusta energia che mette a pari merito sensualità ed aggressività della donna moderna.
Debora sta già lavorando ad un nuovo progetto: un lavoro discografico che avrà come soggetto principale la profonda analisi dell’altalenante emotività umana, espressa non solo attraverso i testi ma anche attraverso arrangiamenti elettronici dalle ritmiche incisive.
É in libreria e negli store digitali“YES I KNOW… PINO DANIELE. Tra pazzia e blues: storia di un Masaniello newpolitano” (Hoepli), il nuovo libro del giornalista e critico musicale Carmine Aymone.
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Con la prefazione di Maurizio de Giovanni e la postfazione di Peppe Lanzetta, il libro è a cura di Ezio Guaitamacchi, direttore della collana di musica della Hoepli, le foto sono di Lino Vairetti e Dino Borelli.
A 5 anni dalla scomparsa e a 65 anni dalla nascita del grande Pino Daniele, è uscito uno dei volumi più esaustivi sulla vita dell’artista napoletano più influente della musica italiana con testimonianze inedite e più di sessanta interviste al jet set italiano e internazionale. Camine Aymone ha intervistato e raccolto, in 30 anni di giornalismo “on the road” i contributi di: Chick Corea, Al Di Meola, Peter Erskine, Jim Kerr (Simple Mind), Phil Manzanera, Pat Metheny, Marcus Miller, Phil Palmer, Gino Vannelli, Edoardo Bennato, Roberto Vecchioni, Gino Paoli, Lucio Dalla, Negrita, Giuliano Sangiorgi, Niccolò Fabi…e di tutti gli eroi del neapolitan power.
Il libro si avvale della preziosa collaborazione del figlio Alessandro Daniele e della “Pino Daniele Trust ONLUS” che hanno condiviso, con l’autore, ricordi e aneddoti legati alla vita del “mascalzone latino”.
Attraverso un racconto fatto di note, canzoni, ascolti, letture, dettagli, curiosità, memorabilia, accompagnato da un ensemble di 4 musicisti, Carmine Aymone, in veste di storyteller, presenterà al pubblico il mondo del “lazzaro felice”, in anteprima nazionale giovedì 23 luglio (ore 21.15), nel Cortile della Basilica di San Domenico Maggiore a Napoli, luogo simbolo cittadino, a pochi metri dalla casa natale di Pino, nell’ambito del cartellone eventi dell’ “Estate a Napoli”, realizzato dall’Assessorato al Turismo e alla Cultura del Comune di Napoli. Con l’autore in scena ci saranno: Larry Del Prete al piano (nipote di Franco Del Prete, autore di testi e storico batterista degli Showmen e dei Napoli Centrale di James Senese) che ha recentemente pubblicato il cd “Pino Daniele unplugged” con Enzo Anastasio al sax ed Emidio Ausiello alle percussioni. L’accompagnamento sonoro alla voce recitante è affidato alla chitarra del maestro Andrea Aymone.
Le dichiarazioni di Pino Daniele contenute nel libro (tranne dove specificata diversa fonte) provengono da interviste realizzate dall’autore, Carmine Aymone, fra il 1989 e il 2014, pubblicate sui quotidiani, settimanali, mensili, periodici, bimestrali, riviste specializzate a cui ha collaborato in questi ultimi 30 anni. Le dichiarazioni dei musicisti nazionali, internazionali, dei familiari, dei produttori, degli addetti ai lavori e degli attori (tranne dove diversamente indicato) provengono da loro scritti ad hoc per questo libro e/o da interviste realizzate dall’autore dal 1989 a oggi.
Carmine Aymone
Hanno impreziosito il volume le parole, i pensieri e le emozioni dei seguenti “lazzari felici”:
Musicisti italiani: 99 Posse, Almamegretta, Joe Amoruso, Renzo Arbore, Enzo Avitabile, Francesco Baccini, Dodi Battaglia (Pooh), Edoardo Bennato, Mario Biondi, Luca Carboni, Max Carola, Red Canzian (Pooh), Clementino, Fabio Massimo Colasanti, Paolo Conte, Gigi D’Alessio, Lucio Dalla, Tullio De Piscopo, Gigi De Rienzo, Roberto De Simone, Teresa De Sio, Franz Di Cioccio (PFM), Drigo (Negrita), Tony Esposito, Niccolò Fabi, Roberto Giangrande, Giorgia, Enzo Gragnaniello, Gianni Guarracino, Rocco Hunt, Rosario Jermano, Jovanotti, Agostino Marangolo, Antonio Onorato, Gino Paoli, Pau (Negrita), Gianluca Podio, Paolo Raffone, Massimo Ranieri, Corrado Rustici, Laura Pausini, Federico Salvatore, Giuliano Sangiorgi (Negramaro), James Senese, Elisabetta Serio, Bobby Solo, Jenny Sorrenti, Lino Vairetti, Roberto Vecchioni, Antonello Venditti, Ernesto Vitolo, Federico Zampaglione (Tiromancino), Marco Zurzolo, Rino Zurzolo.
Musicisti internazionali: Mino Cinelu (Miles Davis, Weather Report), Mel Collins, Chick Corea, Al Di Meola, Peter Erskine, Jim Kerr (Simple Mind), Phil Manzanera (Roxy Music), Pat Metheny, Marcus Miller, Noa, Alfredo Paixao, Phil Palmer, Hossam Ramzy, Gino Vannelli, Rachel Z.
Familiari: i fratelli Carmine “‘O Giò”, Nello, Salvatore. Il figlio Alessandro Daniele. Produttori: Willy David, Claudio Poggi. Addetti ai lavori: Raffaele Cascone, Nando Coppeto. Scrittori: Maurizio de Giovanni, Peppe Lanzetta. Attori: Alfredo Cozzolino, Enzo Decaro, Vincenzo Salemme, Alessandro Siani.
Linkin Park, il cui leader Chester Bennington è scomparso tre anni fa, non ci stanno ad essere usati per la campagna elettorale presidenziale del sempre più controverso Trump e così hanno chiesto a Twitter di disattivare un video della campagna elettorale del Presidente, nel quale veniva diffusa in sottofondo una loro canzone, “In the End”.
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La band ha così fatto richiesta al social di Jack Dorsey di rimuovere la clip per violazione del copyright.
Questo il testo del post che i Linkin Park hanno poi diffuso su Twitter:
“I Linkin Park non approvano e non sostengono Trump, né autorizzano la sua organizzazione a utilizzare la nostra musica”.
Successivamente poi sul social è apparso il messaggio:
“Media disattivato in seguito alla segnalazione del proprietario dei diritti d’autore”.
Linkin Park did not and does not endorse Trump, nor authorize his organization to use any of our music. A cease and desist has been issued.
I Linkin Park si aggiungono alla lunga lista di artisti che ha chiesto al presidente statunitense in carica di non utilizzare la propria musica per promuovere la sua campagna elettorale.
Di recente tanti altri artisti hanno intimato Trump a non usare loro brani per la sua campagna elettorale. Tra questi i Rolling Stones che hanno “promesso” a Trump azioni legali se continuerà ad usare loro canzoni nei suoi eventi. Il Presidente aveva usato la celebre “You Can’t Always Get What You Want” nel recente fallimentare comizio a Tulsa, in Oklahoma. Lo stesso brano era già stato usato nella campagna elettorale del 2016 e già allora i Rolling Stones avevano puntualizzato fermamente con un tweet che “I Rolling Stones non sostengono Trump”
Diversi giorni fa anche la famiglia di Tom Petty, morto nel 2017 a 66 anni, aveva chiesto a Trump di non usare più i brani dell’artista dopo che “I won’t back down” era stata suonata sempre a Tulsa:
“Non avrebbe mai voluto che una usa canzona fosse usata per una campagna d’odio”, ha scritto su Twitter la famiglia del musicista.
Gradito ritorno di Tina Turner con il remix della hit dell’84 “What’s Love Got To Do With It?”, nato dalla collaborazione con il produttore norvegese DJ Kygo.
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Il produttore l’anno scorso aveva già realizzato un altro remix, quello di “Higher Love” di Whitney Houston.
L’uscita del remix del mitico brano della Turner era stato annunciato da DJ Kygo con un post sui social accompagnato da una foto in cui lo stesso è ritratto con la mitica Tina :”Non riesco a credere che venerdì esce una versione di ‘What’s Love Got to Do With It’ in collaborazione con Tina Turner… è in assoluto una delle mie canzoni preferite. Sembra surreale che ho l’opportunità di lavorare con una tale artista leggendaria”.
Ricordiamo che Tina Turner da anni vive in Svizzera e l’ultima volta che è stata in tour era il 2008 con “Tina!: 50th Anniversary Tour”.
Vasco Rossi in una recente intervista ha annunciato che il nuovo album uscirà il prossimo anno, dopo sette anni da “Sono Innocente”, pubblicato nel 2014.
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Dopo il rinvio di tutti gli appuntamenti live causa Covid-19, il rocker è stato ultimamente in vacanza a Rimini, posto in cui avrebbe dovuto tenere le prove del suo tour:
“Adesso sono qua nel mio quartier generale a Rimini, città che ho sempre amato moltissimo e in cui sono venuto per tanti anni di seguito. Sono qui per buttare giù le idee per un nuovo album. Visto che non si possono fare i concerti, cos’altro potevo fare? … C’è il pezzo che sta maturando in questo momento che credo farà piacere a quelli che mi seguono. Insomma, per quest’altro anno che viene ci sarà sicuramente un nuovo album”.
Vasco ha inoltre aggiunto:
“La cosa che mi ha ispirato è una frase. In realtà è l’incipit di una canzone che dice: ‘Siamo qui, pieni di guai’. Sono i guai della vita, diciamo, perché la vita non è semplice ed è sempre tutta una mancanza. Sono stato ispirato nello scrivere queste canzoni da Lacan, anzi, non da Lacan direttamente ma da Massimo Recalcati: ho letto ‘Desiderio, godimento e soggettivizzazione’ e mi si è aperto un mondo. La psicanalisi è una mia vecchia passione, la coltivavo già da quando ero giovane, avrei voluto studiare psicologia, anzi per due anni l’ho proprio studiata”.
E ancora:
“Quest’anno c’è un solo obiettivo, ho lanciato l’hashtag: ‘Restare vivi, sani e lucidi fino al 2021’. Per forza è stato un disastro. Mi sono saltati tutti i piani. Anche le mie vacanze estive sono saltate perché il posto dove vado di solito resta chiuso”.
Intanto sono state rese note le date degli eventi estivi rinviati:
13 giugno 2021 – I-DAYS di Milano 18 giugno – Firenze Rocks (Visarno Arena) 22giugno – Autodromo Internazionale Enzo e Dino Ferrari di Imola 26 e 27 giugno – Circo Massimo per il Rock in Roma
Non è escluso una capatina al prossimo Festival di Sanremo condotto da Amadeus con Fiorello che quest’anno si terrà dal 2 al 6 marzo 2021 (leggi nostro articolo).
