Ancora non si sono spenti i tristissimi echi sulla prematura morte dell’artista svedese Avicii, scomparso lo scorso 20 aprile in Oman, a soli 28 anni (leggi nostro articolo).
Oggi è stato diramato un comunicato ufficiale che potrebbe far pensare all’ipotesi di suicidio del dj. A firmare il comunicato è la famiglia di Tim Bergling (nome anagrafico di Avicii), che ha usato parole abbastanza eloquenti:
“Il nostro amato Tim era in continua ricerca, un’anima artistica fragile alla ricerca di risposte a domande esistenziali. Un perfezionista che ha viaggiato e lavorato duramente a un ritmo che lo ha portato ad uno stressestremo. Quando ha smesso di essere in tour, voleva trovare un equilibrio nella vita per essere felice e poter fare ciò che amava di più: la musica. Soffriva dei suoi pensieri sul significato della vita e sulla felicità. Non poteva più andare avanti. Voleva trovare la pace. Tim non è stato creato per essere una macchina; era un ragazzo sensibile che amava i suoi fan ma evitava volentieri i riflettori. Lo ameremo per sempre e siamo tristi perchè ci manca la persona che eri e la tua musica manterranno vivo il tuo ricordo per sempre. Ti amiamo, la tua famiglia“.
Questo comunque non è il primo comunicato rilasciato dalla famiglia dell’artista. Un altro era già stato rilasciato pochi giorni dopo la morte:
“Desideriamo ringraziarvi per il supporto e le parole d’amore su nostro figlio e fratello. Siamo grati a tutti coloro che hanno amato la musica di Tim e hanno preziosi ricordi delle sue canzoni. Grazie per tutte le iniziative prese per onorarlo, con incontri pubblici, campane della chiesa che suonano la sua musica, tributi a Coachella e momenti di silenzio in tutto il mondo. Siamo grati per la privacy in questo momento difficile. Il nostro desiderio è che continui in questo modo“.
Intanto, fonti del dipartimento di polizia dell’Oman parlano dell’assenza di una pista criminale. Si attende ora l’uscita di un comunicato ufficiale della polizia che riveli definitivamente cosa sia accaduto a Tim.
Shawn Mendes, talentuosisssimo giovane cantante e autore di cui vi avevamo già parlato in passato (leggi articolo), ha annunciato l’uscita del suo nuovo album che prenderà il suo nome. “SHAWN MENDES” sarà disponibile nei negozi tradizionali e in digitale dal 25 maggio.
L’annuncio della pubblicazione è arrivato tramite uno straordinario live stream di 9 ore che seguiva un team di artisti e fioristi intenti a creare una installazione artistica in tempo reale che riproduce la cover del disco.
L’album contiene il singolo apripista “In My Blood”, brano che ha già superato quota 145 milioni di stream e ha debuttato al #1 posto di ITunes in oltre 50 paesi.
Coprodotto da Shawn con Teddy Geiger e scritto da loro due insieme a Scott Harris e Geoff Warburton, “In My Blood” è un brano dal sapore rock che racconta la determinazione dietro ad una vittoria, è ad oggi il brano più vulnerabile e onesto scritto da Mendes fino ad oggi.
“In My Blood” e “Lost In Japan”, l’altro inedito già reso noto dal disco, hanno regalato a Mendes un lungo elenco di critiche positive arrivate dai principali media internazionali.
Entrambi i brani hanno ottenuto un ottimo successo di pubblico piazzandosi ai vertici delle classifiche iTunes dei principali paesi.
L’album include anche un brano con Khalid dal titolo “Youth“, un brano scritto con Ed Sheeran dal titolo “Fallin’ All In You” e l’inedito “Particular Taste” scritto con Ryan Tedder.
Nel disco anche un brano scritto e cantato insieme a Julia Michaels (autrice anche del brano “Nervous”) che vede alla chitarra la partecipazione di John Mayer, che ne firma anche la produzione.
Tracklist – Shawn Mendes
In My Blood
Nervous
Lost In Japan
Where Were You In The Morning?
Like To Be You (Ft. Julia Michaels)
Fallin’ All In You
Particular Taste
Why
Because I Had You
Queen
Youth (ft. Khalid)
Mutual
Perfectly Wrong
When You’re Ready
Il nuovo album arriva a due anni di distanza dal successo mondiale di “ILLUMINATE” (leggi nostra recensione), secondo disco dopo il disco di debutto del 2014 “HANDWRITTEN” (album che conteneva il singolo 7 volte platino in USA e 5 Platino in Italia “STITCHES”).
Entrambi gli album hanno debuttato in vetta alla classifica americana, la Billboard Top 200 Chart.
Martedì prossimo SHAWN MENDES prenderà parte al TIME 100 Gala, festeggiando l’inserimento nella lista stilata dal TIME dei 100 Most Influential People of 2018.
SHAWN MENDES, canadese di padre portoghese e madre inglese, ha venduto ad oggi oltre 10 milioni di album, 100 milioni di singoli e superato quota 11 miliardi di stream e 4 miliardi di views su YouTube. Ai risultati ottenuti con gli album si aggiungono quelli del live: 2 tour mondialisold out con oltre 1 milione di biglietti venduti che gli hanno regalato sold out in arene importanti come il Madison Square Garden di New York, la Air Canada Center di Toronto e la O2 arena di Londra.
Mendes è stato inserito nella classifica Billboard 21 Under 21 nel 2017, nei 30 Under 30 di Forbes e nella 25 Under 25 di Spotify oltre ad essere stato segnalato dalla Roi Influencer Media come l’artista più influente tra tutte le piattaforme social.
Selvaggia è una bellissima donna e, come tutte le belle donne, la devi un po’ corteggiare (senza pressarla) e inseguire nei suoi molteplici impegni e spostamenti per riuscire a parlare con lei: l’intervista me l’aveva promessa e c’è voluto un po’ per trovare il momento adatto, ma lei è donna di parola e la nostra chiacchierata inizia mentre lei è in viaggio in macchina, alla guida il fidanzato Lorenzo.
Sono tantissime le domande che ho nella cartucciera ma la mia profonda piemontesità, il mio “non vorrei disturbare” insito nel DNA di (quasi) tutti noi subalpini mi suggerisce di sintetizzare il più possibile le mie richieste. E poi, sinceramente, non saprei neanche spiegarmene la ragione, un po’ Selvaggia mi incute soggezione: sarà quel suo agguerrito milioncino di follower che intravedo come un esercito battagliero alle sue spalle, sarà la sua straordinaria capacità di usare il dono dell’ironia e del sarcasmo, sarà che è del Segno Zodiacale del Leone, quindi preferisco non scompigliarle la criniera e inizio l’intervista.
Crediti Foto Barbara Ferrara
INTERVISTA A SELVAGGIA LUCCARELLI
Un mese fa hai annunciato le tue dimissioni dalla Direzione del sito del Rolling Stone e hai parlato di voler fare qualcosa di tuo, immagino oltre all’attività di scrittrice e di giudice televisivo: potrebbe trattarsi di una testata giornalistica tutta tua?
E’ ancora un po’ prematuro parlarne: sto incontrando persone per cercare di capire, sto vagliando cose e sondando terreni. Certamente sarà uno spazio totalmente mio per non dover rendere conto di ciò che faccio a nessun editore.
Che cosa pensi quando leggi i commenti al vetriolo su di te? Che cosa ti salva psicologicamente da tanta violenza verbale?
Sulla mia pagina Facebook, in realtà, mi sento abbastanza tutelata: ho bloccato da tempo alcuni “leoni da tastiera” e i miei follower sono educati e ci pensano loro a maltrattare chi mi maltratta. Il clima, quindi, è abbastanza piacevole. Ma me lo sono conquistato con un lavoro di cesello di anni; questo bisognerebbe spiegarlo agli amministratori di quelle pagine che spacciano per humour volgarità e cyber bullismo (ricordiamo la battaglia di Selvaggia, vinta con successo, per far chiudere la contestata pagina Facebook “Sesso, Droga e Pastorizia”).
Per il resto, mi proteggo dalla violenza verbale virtuale fino ad un certo punto: ci sono giorni, quando la shitstorm si accanisce sulla mia persona, in cui mi sento sotto il fuoco di proiettili che vanno ad intaccare la mia serenità. Solo l’abitudine riesce a farmi da schermo. A volte , però, è consolatorio, e quasi catartico, attaccare, querelare, fare nomi e cognomi di chi mi aggredisce: li vado a cercare, li contatto in privato, se sono minori avviso le famiglie. In questo modo sconfiggo la frustrazione di avere a che fare solo con entità virtuali e dò un volto reale a chi mi aggredisce.
Spiegaci, però, con più di un milione di follower, come riesci a leggere tutto, a rispondere ai commenti più significativi, a seguire tutto ciò che succede nel web che ti riguarda: hai collaboratori, cani da tartufo virtuali che fiutano per te?
E’ come se avessi una redazione di un milione di persone! Mi proteggono, mi difendono, sono un milione di occhi che controllano e mi riferiscono. Io non potrei davvero stare dietro a tutto: a volte mi accorgo di cose che mi riguardano anche mesi dopo che sono successe.
Quali sono state (se ci sono state) le occasioni in cui ti sei sentita sottovalutata o, perlomeno, non capita?
Mi capita continuamente! (ride) A parte gli scherzi, per esempio, ho fatto una campagna enorme contro il cyberbullismo e, quando ci sono incontri o trasmissioni televisive in cui si trattano questi temi, non vengo mai invitata. Per carità, io non ho bisogno di riconoscimenti per quello che ho fatto e, onestamente, sono molto impegnata e avrei comunque molta difficoltà a garantire la mia presenza.
Perchè , secondo te, non ti chiamano?
Perché sono un personaggio scomodo, sono fondamentalmente una rompicoglioni. E temo anche che ci sia una corrente di pensiero che fa un’estrema confusione tra hating e esercizio della critica. Io, però, al contrario di tante belle parole, i Gruppi li ho fatti chiudere.
Credi nella solidarietà femminile? E’ notizia fresca di un tuo riavvicinamento ad Asia Argento, per la quale avevi usato parole forti in merito al “Caso Weinstein”.
Non amo l’espressione “Solidarietà femminile”: non voglio essere solidale a prescindere con chi non stimo, ma solo con chi reputo intelligente. Le Quote Rosa sulla solidarietà non mi interessano: è una retorica che non sopporto. Mi stupisce che alcune donne non sviluppino una solidarietà, quello sì. Ed è proprio per questo motivo che c’è stato un chiarimento e un riavvicinamento con Asia Argento: perché si è entrambe dalla stessa parte. Ho ritrattato alcune cose che avevo detto su di lei perché forse sono stata un po’ superficiale e istintiva. Lei ha fatto una cosa importante e forse non era neanche preparata al ciclone che l’avrebbe travolta: era frastornata e spaventata. Tutti noi, forse, all’inizio, non avevamo capito la potenza di ciò che stava succedendo, anche le informazioni che ci arrivavano non erano del tutto corrette. Ecco, io credo sia questa la solidarietà femminile: abbattere insieme dei muri.
Ti hanno mai chiesto di entrare in politica?
No, non me l’hanno mai chiesto. Ma io non sono il tipo che accetta compromessi e, dato che mi piacerebbe farlo nella maniera più radicale possibile, mi rendo conto che questo non sarebbe possibile, quindi, no, non ce la farei. Anche perché verrei defenestrata dopo due giorni! (ride)
Come scegli gli argomenti che tratti nei tuoi articoli, che spaziano dalla pizza di Cracco all’omofobia?
Vado ad intuito, scelgo l’argomento che mi ispira. Sicuramente non vado a compartimenti stagni e non ritengo che ci siano argomenti che non vadano trattati. Non ho la puzza sotto al naso, non penso che parlare del Grande Fratello sia Trash. C’è una cosa che mi fa molto ridere: se una donna che fa la giornalista scrive un tweet su Belen la si giudica come “una che parla solo di gossip”, se un giornalista uomo fa una battuta sul calcio nessuno va a intaccare la sua credibilità di professionista serio. Io però me ne frego e continuo a scrivere indifferentemente di Belen, di omofobia, di femminicidio o di tutto quello che merita di essere trattato quel giorno.
Ti manca la radio?
No, nel senso che non ho nessuna dipendenza nei confronti di nulla di ciò che faccio, se non per la scrittura. La televisione, la radio, il teatro (quando lo facevo), tutto quello che è extra scrittura per me è un di più, è un hobby, è altro. Il mio centro è sempre la scrittura: io sto male se non posso scrivere per due giorni consecutivi. Anche quando sono in vacanza dall’altra parte del mondo, io non ho mai interrotto i miei rapporti con il giornale per più di una settimana (Selvaggia scrive per Il Fatto). Ho scritto dal Giappone, dalla Birmania, ho mandato articoli dai posti più sperduti del mondo perché non sono capace di staccare dalla scrittura. In televisione ho fatto solo “Ballando con le Stelle” e dico quasi sempre di no a tutte le ospitate perché potrebbero togliermi del tempo dedicato a essa: se devo scegliere tra andare ospite in un programma o scrivere un pezzo, io non ho dubbi e scelgo sempre il secondo.
Hai parlato di viaggi. Tu viaggi molto: hai ancora una meta desiderata da raggiungere, un luogo dei sogni da realizzare?
Ho già prenotato tutti i viaggi delle mie vacanze: giugno e luglio li passo con mio figlio e ad agosto programmo il mio viaggio all’estero; a breve andrò in Giordania e in Turchia. Il viaggio con la V maiuscola che vorrei fare e che rimando da tanto tempo è sicuramente la Cina. Quest’estate andrò in Perù e in Bolivia perché agosto, e questo è il mio problema, è un mese infame per l’Oriente, a causa dei monsoni. In genere rischio, vado un po’ a fortuna: l’anno scorso, infatti, sono stata in India, mentre l’anno precedente ho visitato la Birmania e ammetto di essere stata fortunatissima finora. Ma quest’anno non me la sono sentita di rischiare ulteriormente e la Cina è ancora rimandata a data da destinarsi.
Ultima imprescindibile domanda: Selvaggia, io e te ce la giochiamo sul numero di scarpe nell’armadio. Tu quante ne possiedi?
Sinceramente non le ho mai contate! Ogni tanto cerca di farlo Lorenzo per deridermi, per dirmi che sono scandalosa e per colpevolizzarmi… Azzardo un numero: almeno 350? (Chiede conferma a Lorenzo che annuisce) Non le conto anche per non quantificare la cifra spesa, sebbene di veramente costose ne possieda davvero poche.
Sei mai stata contattata da feticisti per questo motivo?
Sìììì, avoja! Pensa che c’è persino una persona che mi propone dei soldi per avere le mie scarpe usate!
Wow! Possiamo aggiungere anche le mie? Gli proponiamo un banchettino dell’usato?
Ma certo! Gliene sottoponiamo 4 o 5: quanto gli vogliamo chiedere? 500 euro? Secondo me ce li dà!
Affare fatto !
Nel frattempo Selvaggia è arrivata in un Autogrill e mi congedo da lei: la lascio libera di godersi la sua Rustichella, must di tutti i viaggiatori autostradali.
Dopo poco, posterà su Instagram bellissime foto di un luogo romantico sulle rive del Mincio: vuoi vedere che Selvaggia la disegnano come penna più acida di Italia ma , in realtà, ha un cuore di panna tenero come un cornetto Algida?
Il chitarrista e cantante Ben Harper e l’armonicista Charlie Musselwhite si ritrovano e propongono il prosieguo di una formidabile collaborazione che conduce all’album “No Mercy In This Land”, un disco blues che unisce l’eccezionale abilità tecnica di Musselwhite – e la sua enorme conoscenza specifica – con la più moderna sensibilità di Harper; le melodie soul e la melanconica narrazione dell’album legano insieme questi due musicisti e trasportano gli ascoltatori verso il periodo d’oro della musica blues.
L’album è il 15° in studio per Harper e il 37° di Musselwhite… di certo l’esperienza non manca!
Charlie divenne famoso come armonicista blues elettrico negli anni ’60 insieme a Howling Wolf e Muddy Waters, ed è spesso considerato uno dei pochi musicisti a possedere il pedigree del musicista blues, status ambito e non facile da ottenere; non ci vuole una particolare preparazione tecnica per essere conquistati dalle sue modulazioni tematiche e dalla sua abilità palese, elementi che emergono chiaramente anche in questa occasione.
Ben Harper non è al contrario catalogabile in un genere preciso, e nel disco giustifica questo mio giudizio proponendo un intrigante mix di tecniche tradizionali e di suoni tendenti al pop e al folk.
“No Mercy In This Land” rappresenta l’immagine di uno spaccato blues con un tocco di modernità. I temi lirici sono tipici del genere: alcolismo, cuori spezzati e spiritualità.
La voce di Harper è a tratti “ruvida” e riporta alla tradizione di cantanti storici, tuttavia, come accade ad esempio in “When Love Is Not Enough” e “Nothing at All”, emerge la versatilità del suo “strumento” che sa essere dolce e regalare accenni di falsetto, andando a fondersi piacevolmente con le melodie di chitarra, mentre la qualità dell’armonica di Musselwhite sottolinea gli stilemi del blues – insieme ad una profondità e consistenza sonora.
Mi soffermo su “Movin ‘On”, un brano che fotografa il meglio che questo album ha da offrire, con una progressione blues classica ma sufficientemente coinvolgente e divertente, dove Musselwhite propone un assolo di armonica tecnicamente sbalorditivo.
“No Mercy In This Land” si può collocare in uno spazio compreso tra i classici dischi blues di BB King e le melodie più popolari, un lavoro che può tranquillamente uscire dalla nicchia dei fruitori del genere, perché capace di donare un forte impatto emotivo che può colpire gli amanti della musica, tutti, senza distinzione alcuna.
Album da ascoltare.
Trcklist Ben Harper & Charlie Musselwhite – “No Mercy In This Land”
Il rischio è grande, tantissime persone hanno giurato e spergiurato una conoscenza diretta con Fabrizio Frizzi suscitando più compatimento che invidia o ammirazione; riguardo ai media qualcuno ha parlato di “accanimento funerario”, ricordo qualcosa di simile ai tempi della scomparsa di Grace Kelly e allora non c’erano sicuramente i mezzi attuali. Inoltre chi scrive non dovrebbe parlare in prima persona, soprattutto nel mio caso, non essendo io né un personaggio famoso né un affermato professionista del giornalismo: sono in buona fede, chiedo scusa.
Di rimando so benissimo che “excusatio non petita, accusatio manifesta” ma mi permetto tutto, anche se Eco suggeriva di evitare le citazioni (e le parentesi… e i puntini… o forse non era esattamente così), mi autoaccuso di tutto. Il fatto è che sono appena tornato dal cimitero di Bassano Romano e mai come ora capisco cosa significhi avere bisogno di esternare le proprie sensazioni.
In realtà conoscevo bene Frizzi, ambiente dello spettacolo e amici comuni ma soprattutto case confinanti, tuttavia non posso vantarmi di una particolare confidenza che non c’era, soprattutto abitando in un paese dove invece centinaia di persone potevano e possono invece a ben diritto chiamarlo Fabrizio, perché lui qui a Bassano aveva trascorso gran parte della adolescenza, dall’età di undici-dodici anni, quando il papà Fulvio acquistò una bella casa con un grande giardino.
Cappella di famiglia a Bassano Romano nel Viterbese
Qui in paese sanno tutti che Frizzi senior era di Faenza, la signora Laura di Bologna, si trasferirono a Roma credo poco prima della nascita di Fabrizio, che era del ’58, con il figlio maggiore Fabio che aveva già sette o otto anni.
Aggiungo io che Fulvio lavorava alla Cineriz, produzione e distribuzione cinematografica, e che a Bassano sono stati girati tantissimi film, data la particolare bellezza del posto. Si può ipotizzare che fosse venuto qua al seguito di qualche lavorazione e che in quella occasione si fosse innamorato del luogo, tanto da comprare e ristrutturare questa bella casa, intorno al 1970.
Fabrizio qualche anno fa mi mostrò che all’interno del giardino c’è una inferriata di ferro battuto con inciso appunto FF 1970: le iniziali di tutti i maschi di casa Frizzi segnano la data di rinascita dell’antica casa padronale che era stata scelta da Fulvio e Laura come punto d’approdo per la loro vita e la loro famiglia.
Il piccolo dodicenne Frizzi si inserì velocemente nel sano e verace ambiente di paese. In questa splendida zona a solo mezz’ora da Roma, la Tuscia, le persone hanno il disincanto e la leggerezza dei romani ma sono burbere e spicce come i toscani, ti accolgono bene ma “nun te devi allargà”, amicizia sana e con rispetto. Tutti ricordano innanzitutto la simbiosi di Fabrizio con la bicicletta, era una sorta di centauro a pedali, fino a quando i genitori non gli comprarono il motorino e fu la stessa cosa, solo con meno fatica. Chilometri di strada e vari centimetri di sbucciature con i ragazzi bassanesi, considerando anche gli altri giochi di allora, tutti molto “fisici” e con svolgimento rigorosamente per strada. C’era però la passione per la musica, per i Beatles in particolare, e al tempo delle scuole superiori alle due ruote subentrò il pianoforte. In questo aspetto sicuramente ebbe una buona influenza Fabio, fratello maggiore e musicista già affermato; per fortuna a Bassano c’erano altri ragazzi con lo stesso pallino, e furono gli “Oceano Rex”, che proprio quest’estate scorsa sono stati protagonisti di una serata memorabile in piazza, con Fabrizio alla voce e alle tastiere.
Sì, il popolarissimo uomo di spettacolo era esattamente come appariva: semplicemente una brava persona, un ragazzone affettuoso e sincero, di famiglia solida e ben strutturata, soprattutto una persona normale, che non aveva minimamente scalfito i legami con il luogo dove aveva trascorso tanto tempo, e che avendo la possibilità non si sottraeva mai a nessun richiamo bassanese, sapendo che l’affetto della gente era sentito e schietto, assolutamente indipendente dal suo successo.
Un balconcino di casa mia si affaccia sul giardino di casa Frizzi, la voce e la risata di Fabrizio e la più discreta presenza della signora Laura per tanti anni hanno segnato l’inizio della bella stagione, il mese di maggio in cui il paese fiorisce letteralmente; ora riposano tutti nella cappella di famiglia qui a Bassano, insieme a papà Fulvio, mancato prematuramente quando il figlio minore lavorava già in televisione ma aveva solo venticinque anni.
Tutta Bassano Romano si è stretta in un dolore sordo e soprattutto in un rimpianto sincero, c’erano tante amicizie da proseguire, in molti avevamo qualcosa in sospeso.
Presto finirò la nuova recinzione che divide le nostre due proprietà, come eravamo d’accordo, e cercherò di stare vicino al caro Massimo, tuo amico di una vita, magari suonando qualcosa insieme nella sua taverna che tanto ti piaceva.
Alla fine lo hanno fatto, la “strana coppia” formata dall’ex frontman dei Police, Sting, e dal dancehall-rapper di Boombastic Shaggy, presentatasi come ospite all’ultimo Festival di Sanremo con l’anteprima del singolo Don’t make me wait, a soli 17 mesi dal controverso 57th & 9th di Sting (leggi nostra recensione) ha dato alle stampe un album per certi versi spiazzante, ma tutto sommato piacevole.
Del resto lo stesso Sting aveva esordito col Reggae’n’Roll dei Police, per cui si può parlare di un ritorno alle origini per la rockstar di Newcastle.
Non il solito Sting, direi, uno Sting non proprio all’altezza dei suoi capolavori solistici degli anni ’80- ’90, prodotti in collaborazione con fior di musicisti quali Gil Evans, Brandford Marsalis, Darryl Jones, Kenny Kirkland, Omar Hakim, Hiram Bullock, Mark Egan, David Sancious, Vinnie Colaiuta ed il fido Dominic Miller; uno Sting che conferma le proprie paure, già esplicitamente espresse fra le righe dei testi nel precedente album, di una crisi creativa, di una preoccupante mancanza d’ispirazione che probabilmente spera di risolvere attraverso la contaminazione con personaggi che appartengono ad un mondo abbastanza lontano dal suo, in questo caso il ripescato Shaggy del quale si erano un po’ perse le tracce, almeno in Italia, dopo gli exploit di Boombastic nel 1995 e Hey Sexy Lady nel 2000.
Inizialmente il progetto avrebbe dovuto limitarsi al solo singolo Don’t make me wait, una sorta di tributo alla musica caraibica, fonte d’ispirazione per entrambi all’inizio delle rispettive carriere, ma poi si sono evidentemente lasciati prendere la mano, grazie anche al lusinghiero successo di vendite del singolo arrivato al primo posto della classifica di Billboard nella categoria reggae, e hanno finito per registrare insieme un intero album, divertente, spensierato, gradevole all’ascolto anche se assai lontano dalle cose migliori cui Sting ci aveva abituato.
Ad ogni modo, guardando il video, sembra che Sting si stia divertendo un mondo in questo ruolo un po’ defilato, probabilmente perché non avverte tutta la tensione sulle proprie spalle, compartendola con i comprimari, un po’ come successe all’amico Eric Clapton quando, reduce dallo scioglimento dei Cream, era in tour con i Blind Faith ma preferiva esibirsi con gli apripista Delaney & Bonnie.
Ci auguriamo che l’esperienza possa avere un effetto benefico, terapeutico, e che presto possa tornare a deliziarci con cose più egregie, degne del suoi notevoli brillanti trascorsi.
Registrato fra Giamaica e New York, prodotto come il precedente 57th & 9th dallo stesso Sting assieme a Martin Kierszenbaum e mixato da Tony Lake, con la collaborazione di vari musicisti esponenti del genere reggae e dancehall quali Robert Shakespeare del duo Sly & Robbie, Aidonia, Morgan Heritage, Agent Sasco, oltre ai fedelissimi Dominic Miller e Brandford Marsalis, il titolo dell’album si riferisce ai prefissi telefonici internazionali dei paesi d’origine dei due artisti, +44 per l’Inghilterra di Sting, +876 per la Giamaica di Shaggy.
La collaborazione tra i due proseguirà nella prossima estate con un tour europeo in cui, oltre ai brani dell’album, interpreteranno una selezione dei rispettivi successi.
Tracklist e Recensione 44/876 – Sting & Shaggy
44/876 È un brano in perfetto stile dancehall con la partecipazione del gruppo Morgan Heritage e di Aidonia, ampio uso dell’elettronica per la base su cui si alternano e s’intrecciano le voci di Sting, Shaggy e degli ospiti.
Morning Is Coming. Secondo singolo estratto dall’album, un reggae classico il cui refrain ricalca la stessa melodia di How many people dell’album Flowers in the dirt di Paul McCartney e questo la dice lunga sulla sul difficile momento che sta attraversando Sting sotto l’aspetto creativo.
Waiting For The Break Of Day. Introdotto da una sequenza di accordi di pianoforte cui subentra una ritmica in quarti con un martellante basso raggamuffin su cui s’innesta un tipico brano alla Sting, anche se non dei suoi migliori, “aspettando l’alba del nuovo giorno”.
Gotta Get Back My Baby. Stessa ritmica, ma con un basso più convenzionale, e stesse considerazioni anche per questo brano, appena un po’ più convincente del precedente.
Don’t Make Me Wait. È il brano presentato in anteprima ai Grammy Awards e al Festival di Sanremo. Nella strofa affidata alla voce di Sting riecheggia vagamente la strofa di So lonely dal primo album dei Police Outlandos d’amour
Just One Lifetime. Si torna al reggae più o meno puro, brano gradevole, ma che non credo abbia richiesto grossi sforzi di creatività per la sua composizione. Un refrain molto orecchiabile, radiofonico, probabilmente un prossimo singolo
22ndPur senza arrivare all’eccelenza in questo brano ritroviamo lo Sting dei tempi migliori, forse un po’ sdolcinato l’arrangiamento, con una chitarra alla George Benson in evidenza e dei flautini che ricordano Van McCoy.
Dreaming In The U.S.A. Questa traccia sembra uscita dal precedente 57th & 9th e probabilmente per quell’album era stata concepita, uno Sting classico con giusto un pressoché ininfluente intervento di Shaggy.
Crooked Tree. Brano che sembra la filiazione di Moon over Bourbon Street.
To Love And Be Loved. Strofa abbastanza anonima, mentre il refrain ricorda la One world presente sull’album Ghost in the machine dei Police.
Sad Trombone. Reggae lento introdotto da una frase di trombone (triste) che continua a lamentarsi in sottofondo alla voce per tutta la durata del brano.
Night Shift. Ultimo brano della versione economica dell’album, sulla falsariga della Jammin’ di Bob Marley, senza averne la forza dirompente.
If You Can’t Find Love. Prima traccia extra della versione DeLuxe, introdotta da una robusta sezione fiati, avrebbe meritato uno spazio nella versione basica, migliore e più convincente della precedente Night shift.
Love Changes Everything. Cover in stile reggae del brano d’apertura del musical Aspects of Love di Andrew Lloyd Webber, senza infamia, senza lode, “niente da aggiunere né da dividere” direbbe Cocciante (o, più precisamente, Marco Luberti).
16 Fathoms Stesso discorso fatto per If You Can’t Find Love, un dovuto riconoscimento per chi spende qualcosa di più per comprare la versione DeLuxe.
Don’t Make Me Wait (Dave Audé Rhythmic Radio Remix) Versione remixata Radio Edit del primo singolo.
Il 7 agosto 1957, un mese dopo l’incontro fra Paul e John (leggi 1ma parte THE BEATLES STORY) e circa due settimane dopo l’ingresso ufficiale di Paul nei Quarry Men, questi esordirono sul palco del Cavern Club di Liverpool, ma senza Paul che si trovava in campeggio con un gruppo di Boy Scouts.
Il Cavern era stato inaugurato il 16 gennaio dello stesso anno, ispirato a Le Caveau Français Jazz Club di Parigi e, pur essendo dedicato al jazz, il proprietario Alan Sytner tollerava occasionalmente qualche esibizione di gruppi skiffle, lo stile musicale parente povero del jazz, il cui esponente di maggior successo in Inghilterra era Lonnie Donegan che aveva influenzato un incredibile numero di giovani bands, tra cui i Quarry Men.
All’interno del gruppo il ruolo di suonatore del “tea-chest bass” (il rudimentale contrabbasso con una sola corda montata su di un manico di scopa e una scatola di latta per il tè come cassa armonica) veniva ricoperto alternativamente da Bill Smith (primo acquisto), Len Garry, Ivan Vaughan (l’amico che presentò Paul a John) e Nigel Whalley; ques’ultimo si occupava anche di procurare ingaggi al gruppo ed era inoltre da poco diventato giocatore professionista di golf, frequentando lo stesso Golf Club del padre di Alan Sytner.
Fu molto probabilmente per questa ragione che i Quarry Men vennero scritturati quel giorno, ma quando, dopo un inizio tranquillo all’insegna dello skiffle, John Lennon si avventurò in Blue Suede Shoes e Hound Dog di Elvis Presley, vennero immediatamente stoppati dal proprietario con la perentoria intimazione “Dateci un taglio con quel maledetto rock & roll!”.
Bisognò attendere il 18 ottobre per vedere l’esordio di Paul sul palco con i Quarry Men che ebbe luogo al Conservative Club della New Clubmoor Hall di Liverpool.
Probabilmente l’emozione giocò un brutto scherzo al futuro Beatle, nell’occasione impegnato alla chitarra solista, che s’impappinò nel bel mezzo dell’assolo di Guitar Boogie, un brano portato al successo da Arthur Brown nel 1946.
Per rimediare alla figuraccia e farsi perdonare dagli altri membri del gruppo, Paul si esibì in un brano di sua composizione, I Lost My Little Girl, suscitando ammirazione e curiosità in John che fino a quel momento non aveva mai preso in considerazione la possibilità di scrivere un brano originale.
Il 1957 si concluse con sole altre quattro esibizioni in pubblico, ma nessun evento degno di nota da tramandare ai posteri.
Ancor meno quelle dell’anno successivo, cinque in tutto (almeno quelle di cui esiste una documentazione), e ancor meno memorabili se non fosse per quella del 6 febbraio alla Wilson Hall di Garston, in cui per la prima volta George vide i Quarry Men suonare dal vivo, e quella del 13 marzo. per l’inaugurazione del The Morgue Skiffle Cellar di Broadgreen (entrambi sobborghi di Liverpool), durante la quale il quindicenne George venne presentato al gruppo.
The Morgue era un locale ricavato nello scantinato di un palazzo vittoriano, con una capienza di un centinaio di persone, la cui fonte d’illuminazione era limitata ad una lampadina blu pendente da un filo e ad un neon bianco. Era gestito da Alan Caldwell, un cantante locale, leader dei Raving Texans, che in seguito assumerà il nome d’arte di Rory Storm, mentre quello del gruppo si trasformerà in The Hurricanes (il cui batterista rispondeva al nome di Richard Starkey, ma di lui si parlerà più avanti…).
Per la palese illegalità in cui operava, il club venne definitivamente chiuso dalla polizia il 22 aprile.
Probabilmente i Quarry Men si esibirono altre volte in questo locale nel breve lasso di tempo della sua esistenza, ma non risulta alcuna documentazione in proposito.
George, di tre anni più giovane rispetto a John (di fatto solo 28 mesi) e di uno rispetto a Paul (di fatto solo otto mesi), frequentava la stessa scuola di Paul, il Liverpool Institute, ed era stato da questi più volte invitato ad assistere alle prove ed esibizioni dei Quarry Men.
Inizialmente snobbato da John per la sua giovane età ed il suo aspetto mingherlino, vinse la sua diffidenza grazie alla sua abilità di chitarrista solista, non dovuta ad un naturale talento, ma maturata grazie ad una tenace e costante dedizione, esibendosi davanti a John e agli altri componenti nei brani Raunchy e Guitar Boogie Shuffle. Non gli fu chiesto di unirsi immediatamente al gruppo, ma lui cominciò a seguirli portandosi sempre appresso la propria chitarra; a parte Paul, gli altri non gli facevano caso più di tanto, ma sporadicamente gli permettevano di salire sul palco per suonare un brano o un assolo. A poco a poco le performance di George divennero sempre più frequenti, acquistando sicurezza e precisione, fino a fargli conquistare un posto fisso nel gruppo, a spese di Eric Griffiths.
Il 12 luglio 1958 John, Paul, George, Colin Hanton e Duff Lowe, un compagno di scuola di Paul reclutato per l’occasione grazie alla sua abilità nell’eseguire al pianoforte l’arpeggio iniziale del brano di Jerry Lee Lewis “Mean Woman Blues”, si recarono al Phillips Sound Recording Services, uno studio di registrazione casalingo di proprietà di Percy Phillips. Per la somma di 17 scellini e 3 pence (poco meno di una sterlina) registrarono due brani su un acetato di alluminio a 78 giri.
Il primo brano era “In spite of all the danger” (vedi video sopra) una composizione accreditata McCartney/Harrison affidata alla voce solista di John mentre Paul eseguiva un controcanto armonico e George un solo di chitarra. Il secondo brano era “That’ll be the day” di Buddy Holly (vedi video sotto). Il tutto si svolse nel giro di 15 minuti e di fatto fu la prima registrazione che vide insieme John, Paul e George.
Nel 1995 venne recuperata e pubblicata su Anthology 1.
Solo tre giorni più tardi, il 15 luglio 1958, Julia, la madre di John, era andata a trovare la sorella Mimi per dirle che John avrebbe trascorso il fine settimana da lei. Nigel Whalley che era passato in cerca di John, si offrì di accompagnarla fino alla fermata dell’autobus. Durante il tragitto parlarono del più e del meno, Julia gli raccontò qualcuna delle barzellette che aveva sempre in serbo per gli amici di John, poi giunti all’altezza della fermata dell’autobus che si trovava sull’altro lato del viale si separarono e Nigel proseguí per la sua strada mentre Julia si accinse ad attraversare Menlove Avenue, un viale di due carreggiate separate da un ampio spartitraffico alberato.
Nell’attraversare la seconda carreggiata, Julia non si accorse dell’auto che stava sopraggiungendo e venne investita. Nigel udì lo stridio della frenata e vide il corpo di Julia scaraventato in aria.
Morí sul colpo.
Questo evento segnò profondamente John, proprio nel momento in cui stava riallacciando il rapporto con la madre che l’aveva abbandonato subito dopo la sua nascita affidandolo alla sorella Mimi.
John Lennon e la madre Julia
Il suo comportamento diventò ancora più trasgressivo e violento nel tentativo di soffocare il dolore e la rabbia che lo attanagliavano. Per sua fortuna incontrò una mite ragazza che frequentava la sua stessa Scuola d’Arte, tanto composta ed educata quanto lui era disordinato e ribelle: Cynthia Powell.
Come poli opposti che si attraggono e si compensano, grazie a lei John ritrovò un po’ di serenità e d’equilibrio che gli consentirono di superare il brutto momento.
Nel frattempo, per una serie di ragioni che andavano dagli impegni di studio o di lavoro alle condizioni di salute o divergenze artistiche, i Quarry Men erano rimasti in quattro: i futuri 3 Beatles e il batterista Colin Hanton.
Senza più Nigel Whalley ad occuparsi del lato manageriale, le già scarse scritture vennero meno ed i nostri si ritrovarono a suonare per lo più in feste di compleanno e ai balli dei circoli operai o giovanili.
John Lennon e Cynthia Powell
L’ultima esibizione del 1958 ebbe luogo il 20 dicembre per una festa privata in occasione del matrimonio del fratello di George, Harry Harrison, ed il 1959 non andò certo meglio.
Il 1º gennaio erano stati ingaggiati, per intercessione del padre di George che ne era il presidente, per suonare alla festa natalizia (tardiva) dello Speke Bus Depot Social Club. Non era previsto alcun compenso, ma abbondanti libagioni e la promessa che sarebbe venuto ad ascoltarli il gestore di una sala cinematografica che avrebbe potuto scritturarli per suonare nell’intervallo fra la proiezione pomeridiana e quella serale.
La prima parte andò bene, ma nell’intervallo esagerarono con le libagioni generosamente offerte dal club e iniziarono la seconda parte visibilmente alticci con un risultato tutt’altro che soddisfacente, per cui il gestore del cinema non li scritturò.
Ci fu una discussione, volarono parole grosse e, sulla via del ritorno a casa in autobus, Colin Hanton e la sua batteria volarono fuori prima della fermata col mezzo ancora in corsa.
Rimasti in tre, John, Paul e George si esibirono in un’ancor più tardiva festa di Natale il 24 gennaio al Woolton Village Club, scomparendo poi dalla scena fino al successivo mese di agosto.
In questo periodo John e Paul si dedicarono principalmente alla composizione di canzoni proprie, affinando la loro tecnica nei lunghi pomeriggi trascorsi a casa dell’uno o dell’altro. A volte George si univa a loro, ma aveva cominciato a suonare anche con altri gruppi uno dei quali era il Les Stewart Quartet.
Questo gruppo era stato ingaggiato per suonare il 29 agosto all’inaugurazione del Casbah Coffe Club, un locale ricavato da Mona Best nella cantina della sua casa al numero 8 di Hayman’s Green e destinato a club privato per gli amici dei figli Pete e Rory. Era un edificio vittoriano di 15 stanze e un acro di terreno (circa 4.000 m2) che Mona aveva acquistato grazie alla vincita di una scommessa su una corsa di cavalli.
In seguito ad una lite fra Les Stewart e Ken Brown a pochi giorni dall’inaugurazione, questa rischiava di saltare e Ken chiese aiuto a George per tirarsi fuori dai guai. George chiamò John e Paul ed i quattro suonarono insieme nel locale per i successivi 7 sabati.
La collaborazione con Ken Brown finì bruscamene la sera del 10 ottobre quando questi, a causa di un forte raffreddore, non potè salire sul palco, ma venne ugualmente pagato da Mona Best suscitando il risentimento degli altri tre che rivendicavano per sé la sua quota.
Il 18 ottobre i tre futuri Beatles parteciparono alle selezioni locali per il “TV Star Search” di Carrol Levis “Il Fabbricante di Stelle”. Per l’occasione abbandonarono il nome ormai obsoleto di Quarry Men a favore di Johnny & The Moondogs.
L’audizione andò bene e furono selezionati per le finali locali che si tennero per tutta la settimana dal 26 al 31 ottobre all’Empire Theatre di Liverpool.
Non vinsero il concorso, ma furono invitati alle audizioni finali del 15 novembre al Hippodrome Theatre di Manchester.
Nel caso avessero superato anche questa prova, avrebbero potuto apparire nella trasmissione di Carrol Levis “TV Star Search”.
La loro esibizione nella serata finale fu buona, ma il sistema di votazione era basato sull’acclamazione del pubblico alla passerella finale e quando venne il loro turno si trovavano già sull’ultimo treno che li riportava a Liverpool, non potendosi permettere di pagare un albergo per passare la notte a Manchester.
Questa mattina migliaia di palloncini sono stati liberati nel cielo dell’Eur dal palazzo della Direzione Generale SIAE, in viale della Letteratura. È il modo con cui la Società Italiana degli Autori ed Editori ha scelto di celebrare la Giornata Mondiale del Libro e del Diritto d’Autore, che coincide con la data di nascita di SIAE, che oggi compie 136 anni.
“Abbiamo scelto il palloncino come simbolo perché vola alto, come le emozioni – commenta Filippo Sugar, Presidente di SIAE. – È un oggetto semplice eppure capace di evocare la spensieratezza e la creatività. Ma anche un simbolo di fragilità, perché basta uno spillo per renderlo un involucro privo di vita. Così il diritto d’autore, che tutela tutti coloro che ogni giorno ci regalano emozioni, è messo a rischio dagli ‘spilli’ di chi non riconosce il lavoro degli autori”.
Oggi come non mai è di importanza cruciale celebrare la Giornata Mondiale del Libro e del Diritto d’Autore. Il rischio, infatti, è di assistere alla incredibile affermazione del paradosso per cui corrispondendo meno diritti agli autori e agli editori si otterrebbe un aumento della produzione culturale.
Hanno ricordato l’importanza della creatività con la loro presenza premi Oscar come Ennio Morricone e Nicola Piovani, autori che hanno fatto la storia della canzone italiana come Mogol, e tanti autori e artisti tra i più amati, da Luca Barbarossa a Dori Ghezzi, da Paolo Fresu a Paolo Damiani, Mario Lavezzi, Riccardo Sinigallia, Franco Mussida, Piero Cassano in rappresentanza degli oltre ottantacinquemila associati SIAE che fanno grande ogni giorno la cultura italiana.
Con loro il Presidente di SIAE Filippo Sugar, il Direttore Generale Gaetano Blandini e il Presidente del Consiglio di Sorveglianza Franco Micalizzi, per celebrare la Giornata Mondiale del Libro e del Diritto d’Autore e il 136° compleanno di SIAE, fondata a Milano il 23 aprile 1882, e numerosi autori, rappresentanti di tutte le generazioni della creatività italiana, per ricordare che il diritto d’autore fa vivere chi ci fa sognare.
Sono intervenuti al festeggiamento dando prova del loro entusiasmo e del loro talento anche i ragazzi del Dipartimento di jazz presso il Conservatorio romano di Santa Cecilia diretto dal M° Paolo Damiani.
Sono Vittorio Gervasi (sax tenore), Stefano Di Grigoli (sax tenore), Daniele Dominici (sax baritono), Vittorio Solimene (pianoforte), Fabio De Vincenti (chitarra acustica), Giordano Panizza (contrabbasso), Fabrizio Ferrazzoli (percussioni), Daphne Nisi (voce), Marta Alquati (voce), Laura Sciocchetti (voce) e Daniela Troilo (voce), che hanno omaggiato il Maestro Morricone e il Maestro Piovani eseguendo alcune delle loro più celebri colonne sonore, da C’era una volta un film a La vita è bella.
Fotografo ufficiale dell’evento è stato Massimo Sestini, vincitore del World Press Photo 2015.
Quincy Jones, il grande musicista, produttore e discografico americano, sarà ospite il 13 luglio all’ Umbria Jazz Festival.
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Quincy aprirà lo storico Festival Umbro con un live che ripercorrerà tutta la sua lunga carriera; sul palco, con il maestro, ci saranno tanti musicisti che nel corso del tempo hanno lavorato con lui: l’italiano Paolo Fresu, Take Six, Patti Austin, Alfredo Rodriguez & Pedrito Martinez, Erykah Badu, Ivan Lins.
Quincy Jones, una vera e propria leggenda della musica contemporanea, vincitore di ben 28 Grammy, ha da poco compiuto 85 anni, un motivo in più per festeggiare la sua lunga storia artistica in quel del festival Umbro:
“Se piangerò saranno lacrime di gioia. La vita è un dono assoluto. Per uno cresciuto nel South Sidedi Chicago durante la Grande Depressione, che da ragazzo è finito in un ambiente di gangster, che ha avuto due aneurismi e che ha visto la morte in faccia un mare di volte, è una benedizione essere qui e poter testimoniare una festa come questa“.
La sua è la mano che ha curato grandi successi del XXmo secolo, uno su tutti “Thriller” di Michael Jackson, ma anche “Fly Me to the Moon” di Frank Sinatra e tanti altri.
Ha esordito circa 60 anni fa nel mondo Jazz accanto a maestri come Dizzy Gillespie e Lionel Hampton.
A suo dire, deve molto alla musica italiana, a livello culturale:
“Quando iniziai a comporre colonne sonore per film alcuni miei modelli erano italiani, come Ennio Morricone, Armando Trovajoli, Nino Rota, Romano Mussolini, Piero Piccioni, grandi musicisti che conoscevano sia la musica jazz che quella classica, fondendole tra loro in qualcosa di grandioso. Maestri assoluti! […] la musica è una forma d’arte in continua evoluzione con varie tappe, dal be-bop al doo-wop fino all’hip-hop. Bisogna imparare dal passato per andare avanti come sta facendo la nuova generazione, gente come Kendrick Lamar, Drake, the Weeknd, Mary J. Blige, Esperanza Spalding, Chance the Rapper“.
Non ho avuto occasione di vedere direttamente un episodio della tournée di Carmen Consoli nel 2017 e … mi accontento di questo doppio album (Cd, Lp e digitale), “Eco di sirene” (leggi nostro articolo), che di quel lungo viaggio musicale ne è la miglior rappresentazione.
Stabiliamo intanto che il tour, e il conseguente lavoro discografico, si basano sull’espressione acustica, su di un ensemble minimalista e sulla voglia di sottolineare la necessità di stabilire una situazione osmotica con il pubblico, curiosi e sostenitori di sempre.
Per fare ciò la Consoli chiede ausilio alla violinista Emilia Belfiore e alla violoncellista Claudia della Gatta, una collaborazione di successo, un piccolo ensemble da camera che, alla fine, indurrà a lasciare traccia indelebile. E quale potrebbe essere il modo migliore se non la realizzazione di un lavoro discografico? Ma come rispettare la filosofia alla base del progetto?
Un album live in studio appare come un buon compromesso, e il mitico Forum Village di Roma diventa il luogo in cui si può arrivare ad una soddisfacente finalizzazione. E’ lì che dovranno risaltare gli arrangiamenti scritti da Carmen per i tre strumenti in gioco (chitarra, violino e violoncello), registrando in presa diretta, ma in modo artigianale, proponendo quindi un modello non molto utilizzato se non da certi gruppi rock alla ricerca del vintage e del sapore antico: l’analogico, tre artiste in gioco e un nastro che cattura l’atmosfera, impossibile da correggere, con qualche ovvia imprecisione denominata a posteriori “licenza poetica”.
Il contenuto potrebbe definirsi un “The Best Of”, con venti brani conosciuti e due inediti: “Uomini Topo”, e “Tano”.
Il primo racconta una storia immaginaria in cui la trasformazione da uomini in topi appare il necessario antidoto per la conservazione della specie, e i sentimenti non hanno più un ruolo rilevante in una società dove la facilità di comunicazione crea false illusioni.
Il secondo “nuovo”, in dialetto, traccia una fotografia d’altri tempi (ma è davvero scemata quel tipo di cultura?), scenario in cui nascere uomo era un privilegio, e status che consentiva il pieno potere su gli affetti del genere opposto.
Ma anche la produzione pregressa appare godibile con il nuovo abito, e le imperfezioni sottolineate da Carmen Consoli diventano una peculiarità positiva per chi scrive, il vero spirito della performance dal vivo.
Per chiarire il concetto di “nuovo vestito” utilizzo un titolo che tutti conoscono, anche chi non ha particolari interessi musicali: “Amore di plastica”, il brano che nel 1996 portò la cantautrice siciliana alla conoscenza del grande pubblico.
Se nella versione originale le modulazioni vocali – atipiche e inusuali – e gli arrangiamenti ritmati fornivano l’immagine della cantante rock, in questa versione acustica emerge l’aspetto poetico e lirico, una canzone nuova che produce un coinvolgimento differente rispetto alla versione passata, una situazione di contagio musicale che non sempre si abbina ai cambiamenti.
Crediti: KIKA – MILANO
Tutto “Eco di sirene” viaggia sui binari del romanticismo, proposto attraverso testi importanti la cui drammaticità viene calmierata dalle pennellate musicali, dalle skills in gioco, dalla voglia di realizzare un lavoro retrospettivo con caratteristiche diverse dal primigenio, e aspettare la reazione del pubblico, fatto di per sé già testato lo scorso anno, quando i 9 concerti diventarono alla fine 60.
Operazioni del genere non sono nuove, ma il risultato non è mai scontato, e il passaggio da elettrico ad acustico (o viceversa, Bob Dylan docet) non sempre è gradito e compreso.
Ma non siamo più ai tempi di Dylan, il mondo si è aperto e in qualche modo vige una certa indulgenza a prescindere per chi si ama incondizionatamente.
Una cosa di certo non è cambiata, la voglia di qualità e di talenti in scena, e in questa caso mi pare inutile sottolineare la bontà di Carmen Consoli e il lavoro eccezionale racchiuso in “Eco di sirene”.
Consigliato ad un pubblico ampio e trasversale.
TRACKLIST: ECO DI SIRENE -Carmen Consoli
Cd 1 01. Uomini Topo – (03:36) 02. Parole Di Burro – (04:35) 03. Mio Zio – (03:36) 04. Mandaci Una Cartolina – (03:49) 05. Pioggia D’Aprile – (03:38) 06. L’Ultimo Bacio – (03:28) 07. AAA Cercasi – (03:50) 08. Eco Di Sirene – (04:29) 09. Sulle Rive Di Morfeo – (04:19) 10. L’Eccezione – (03:40) 11. Amore Di Plastica – (03:24)
Cd 2 01. Tano – (04:09) 02. Fiori D’Arancio – (04:07) 03. Perturbazione Atlantica – (04:11) 04. ‘A Finestra – (04:50) 05. In Bianco E Nero – (04:37) 06. Maria Catena – (04:35) 07. La Notte Più Lunga – (04:04) 08. Il Sorriso Di Atlantide – (04:23) 09. Blunotte – (04:26) 10. Sud Est – (03:55) 11. Venere – (04:09)
In tutto il mondo si è celebrato oggi 21 aprile 2018 il “Record Store Day”. Tante sono state le iniziative e le sorprese messe in campo questa giornata, tutte legate ai negozi di dischi e al supporto storico analogico: il vinile.
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Nato nel 2007 da un’idea di Chris Brown (impiegato storico di un negozio di dischi statunitense) si celebra, oggi 21 aprile 2018, l’undicesima edizione del “Record Store Day” (leggi nostro articolo) una giornata dedicata ai negozi di dischi indipendenti e al simbolo iconico che li ha da sempre rappresentati: il vinile.
Lo storico supporto analogico sta vivendo la sua seconda giovinezza, lo dimostrano i dati che ogni anno lo vedono sempre più protagonista delle vendite.
La crescita del 22,3% del ricavato sulle vendite globali dei dischi in vinile fa ben sperare per il futuroseppur gli album più venduti restano quelli del passato. Gli anni ’70 la fanno da padrone. Nella classifica italiana troviamo infatti i 33 giri delle band storiche come Pink Floyd e poi Led Zeppelin, Beatles, Queen ma nel contempo anche nuove uscite come quella del solista Roger Waters, del giovane Ed Sheeran e di italiani come Mina/Celentano, Caparezza ecc. Quindi ottimo investimento sulle ristampe degli album che hanno fatto la storia della musica ma anche la sorpresa delle novità, dovute probabilmente al desiderio degli artisti, insoddisfatti del suono freddo e impersonale del digitale, di tornare a sperimentare l’analogico. Ascoltare le band storiche come i Pink Floyd, Led Zeppelin e i Beatles su supporto originale pare riscuota un discreto successo.
La FIMI – Federazione Industria Musicale Italiana -, per l’occasione, ha reso disponibile i numeri delle vendite dei vinili nell’anno appena trascorso.
Anche in Italia, seppur con un incremento nettamente superiore alla media (+ 46,7%), i dischi in vinile più venduti sono gli stessi registrati nel resto del mondo: Pink Floyd, Led Zeppelin, Beatles, Queen e, naturalmente, i nostri artisti più celebri Lucio Battisti, Mina e Celentano. La presenza in classifica delle nuove uscite di Caparezza, Fabri Fibra e alcuni altri che hanno lanciato sul mercato edizioni limitate dei propri dischi, fanno pensare che il vinile non sia solo un oggetto datato e nostalgico. Il pubblico giovane comincia ad apprezzare quel suono nè freddo né tanto meno perfetto che si riappropria dell’essenzialità della musica, incisa molto spesso direttamente in studio, in presa diretta e poi data alle stampe.
Negli studi di Abbey Road, infatti, non sono pochi gli artisti che si sono cimentati ad incidere nuovamente i vinili sui master ripristinati dallo staff su cui incisero band storiche come quella dei Beatles.
Il ritorno in auge del vinile: una moda? Forse sì, o forse semplicemente ci siamo accorti che la musica liquida, seppur “comoda”, ha in realtà ridotto il tutto al niente. In realtà tu non hai nulla che puoi tramandare a un figlio, un nipote, qualcosa di tangibile che artisticamente abbia segnato la tua vita e che un giorno ti farebbe piacere condividere con i tuoi cari.
Nostalgico? Forse! Stranamente però, molti sono i giovani che, incuriositi da tutto l’armamentario che occorre per ascoltare degnamente la musica su supporto in vinile, si accostano sempre più all’ascolto delle cosiddette “sporcature da solco distorto”.
In questa giornata, l’invito mondiale e quello di recarsi presso i negozi specializzati in vinile dove si avvicenderanno iniziative di vario genere: dall’uscita di alcune special edition e relative presentazioni in loco da parte dei musicisti, alla riedizione di registrazioni datate con alcune performance uniche o con ospitate interessanti e anteprime di progetti speciali dedicati ai fan.
Quello che il “Record Store Day” si prefiggeva di fare fin dal suo esordio, è stato quello di far scoprire e riscoprire la splendida sensazione che si provava quando prendevi tra le mani un disco fisico; l’atmosfera che si respirava un tempo quando ci si fiondava nel negozio di dischi per ascoltare l’ultima uscita del proprio cantante preferito. L’emozione del primo ascolto in cuffia.Il perché di quella copertina. La gioia di scartare il piccolo involucro in cellophane che lo proteggeva, per sfogliare il booklet al suo interno che conteneva i testi ma, spesso, anche pensieri, foto, racconti della produzione che ci si apprestava ad ascoltare.
In Italia il “Record Store Day” è stato foriero di alcune iniziativein diversi negozi sparsi per la penisola: mostre di fotografia, ristampe di rarità discografiche, esposizione di strumentazione e copertine storiche, piccoli concerti.
Ad esempio a Milano, presso lo spazio Santambrogio, (in chiusura del Design Week) il fotografo Cesare Monti ha esposto molte delle sue celebri copertine legate alla discografia di Lucio Battisti, Fabrizio De Andrè, Pino Daniele e tanti altri. A Roma è stato inaugurato, da Federico e Marco De Gregori, figli del celebre Francesco, il Vinyl Room (in via della Frezza, 53), negozio tutto dedicato a questo fantastico supporto.
Inoltre per celebrare degnamente questa giornata sono uscite più di trecento dischi in anteprima e alcune esibizioni live nei pressi degli stessi negozi sparsi per tutta Italia.
L’undicesima edizione del Record Store Day prende il via.
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Oggi 21 aprile, in occasione dell’iniziativa d’origine statunitense dedicata ai negozi di musica indipendenti e celebrata attraverso anteprime, ristampe ed edizioni speciali, saranno protagonisti grandi nomi italiani come Mina, De André e Jannacci accanto a star del calibro di David Bowie, Led Zeppelin e Cure.
Sul versante della produzione discografica estera, tra le centinaia di pubblicazioni annunciate per il Record Store Day 2018, spiccano il 45 giri con due versioni inedite di Rock’n’Roll e Friends dei Led Zeppelin e ben quattro titoli dell’indimenticato David Bowie: il triplo Welcome To The Black Out (Live London ’78) registrato dal vivo da Tony Visconti, Bowie Now, disponibile in copia promozionale nel ’77 nei soli States, il singolo Let’s Dance (Demo) pubblicato in digitale lo scorso gennaio e David Bowie, l’omonimo disco di debutto ora in vinile blu e rosso. Imperdibile anche il vinile di Lights of home degli U2: il disco, oltre alla nuova versione del singolo incluso in Songs of experience, ultimo album della band irlandese uscito nel dicembre 2017, contiene il remix di Beck, Lights of home (Free Yourself Beck Remix).
I Cure pubblicheranno una versione deluxe di Mixed Up e Torn Down, attesissima collezione di remix realizzati da Robert Smith in persona, mentre il duo Brian Eno & Kevin Shields esce con The Weight Of History/Only Once Away My Son, osannato dalla critica come sfizioso mix tra l’ambient music e l’alt-rock del chitarrista dei My Bloody Valentine.
I “Florence + The MachineSky Full Of Song” fanno uscire il singolo inedito “Sky Full Of Song” in formato vinile. Il brano anticipa l’uscita del nuovo album della band inglese, “High As Hope“, che avverrà a giugno,
Nei negozi, si è detto, anche molti lavori italiani. Del compianto Pino Daniele arriva Tracks, vinile estratto dal più ampio progetto curato dall’Ente Pino Daniele Trust Onlus dal titolo Quando, in corso di realizzazione; è invece inedito il brano Migranti di Francesco Guccini e Juan Carlos ‘Flaco’ Biondini interpretato da Enzo Iacchetti & I Musici.Sugli scaffali anchedue vere rarità:Trenodia/I Discorsi di Mina, singolo del ’67 ritirato dal mercato all’inizio dell’anno successivo, e le registrazioni di Carlo Martello e altre storie che Fabrizio De André incise per la Karim, l’etichetta discografica fondata insieme al padre Giuseppe.
Due i vinili di Enzo Jannacci – Gheru Gheru, con otto canzoni poco note come Un amore da 50 lire e Ja Ga Brothers, in coppia con Giorgio Gaber – mentre Sotto il segno dei Pesci/Sara di Antonello Venditti festeggia i suoi primi quarant’anni. Tra le colonne sonore, splendidi i due dischi dedicati alla serie Twin Peaks: Music From The Limited Event Series, un picture ben 6 tracce inedite prodotte da Angelo Badalamenti e Music From The Limited Event Series Score, contenente le musiche dell’ultima serie.
Tanti infine i titoli pubblicati per la prima volta in vinile, dal triplo di Animal Serenade di Lou Reed agli album Brawlers, Bawlers e Bastards tratti dal monumentale Orphans di Tom Waits, per finire con Drammi gotici di Ennio Morricone, di cui è pronto anche Un esercito di 5 uomini a celebrarne il quarantennale.
Veniamo ad alcuni degli eventi più attesi nelle varie città italiane.
A Milano l’evento ufficiale del Record Store Day 2018 è in Zona Santambrogio: i Distratti, Tommaso Toma e Billboard propongono una giornata con dj set, live, proiezioni di film, un mercatino dell’usato e un’anteprima esclusiva della mostra Gioia e Rivoluzione (dal 3 al 27 maggio allo Spazio Oberdan), dedicata al decennio ’68-’78 della discografia italiana e diretta da Roberto Manfredi e Luca Rossi (leggi nostro articolo). Per la prima volta sarà possibile godere di The Wall di Cesare Monti, leggendario fotografo, regista e art director milanese autore di copertine storiche per Fabrizio De André, Pino Daniele, PFM, Lucio Battisti e tanti altri.
Vinile dedica la giornata a Prince, alternando rarità discografiche e dj se; da Backflip protagonisti i dj set di Whodamanny insieme a Dada, Phade, Cbwoy mentre, fuori dai negozi, davvero appetitosa la seconda Blue Vinyl Night al Blue Note Club, per l’occasione chiccosissima ballroom con la musica di Claudio Coccoluto, Nick The Nightfly e vari dj da Radio Monte Carlo.
Se a Verona, Le Disque presenta dj set con sonorità elettroniche e House con Tommy De Wax, Kaori, Luca Landi, Trenti, Steve Bread & Stefan G, Andrea B e Francesco Fontanari, in podcast su Mixcloud, Soundcloud e YouTube, da Rubber Soul a Torino è protagonista l’acid rock degli Effervescent Elephants, con una ristampa limitata dell’album Something to Say prodotta da Onde Italiane.
A BolognaSemm presenta una nuova edizione di Best Art Vinyl, la mostra che celebra il meglio dell’arte, della fotografia e della grafica nella cultura musicale contemporanea internazionale; Danex a Firenze propone la ristampa targata Archeo di Viaggio Tribaledi Toni Esposito. A Lucca da Sky Stone and Songs la festa dura tre giorni con, fra gli altri, un ciclo di conferenze sulla storia della musica dal titolo Friday I’m In Love.
La romana Discoteca Laziale ospita il rap italiano di Gemitaiz con il nuovo album Davide, la Vinileriadi Latina sfiderà i propri clienti ad improvvisarsi dj sulla consolle del negozio mentre Arcana Edizioni da Nordovest Dischi di Frosinone presenta La musica, per me. Come funziona la musica? Rispondono 50 artisti italiani di Luca D’Ambrosio, con Davide Fischanger, autore di vari progetti culturali coi suoi Gatti Ostinati e il cantautore Giancarlo Frigieri.
Scendendo lungo lo stivale, scopriamo che la Compagnia Daltrocanto suonerà a Salerno da Disclan l’album Di terra, di mare e di stelle, con a seguire dj set di Tonico 70, Paolo Caravano, Joe & Frank, Dj Arnold, Frizzy Pazzy e Ciccio Scio.
Una settimana di festa per Disco Shop di Monopoli (BA), iniziata il 14 con i Poor Boys e del loro album ‘Room 21’, mentre al Polo Museale Riso di Palermo ci aspetta la rassegna RIso Sound Experience con il dj set di Memorie Cluster, il nuovo act house-oriented di Ettore Sorrentino e Giacomo Virzì, in attesa delle uscite discografiche su Deeplomatic, Wonder Stories e Museek.
Ricordiamo infine che Radio Capital, radio ufficiale del Record Store Day, nella giornata di sabato 21 aprile dedicherà l’intera programmazione all’iniziativa, con Camilla Fraschini (Capital Weekend), Giancarlo Cattaneo (Giancapital), Sergio Mancinelli (DODICI79), Massimo Oldani e Luca De Gennaro (Black or White), Fabio Arboit (Capital Records).
LA LISTA DEI DISCHI CHE USCIRANNO IN OCCASIONE DELLA GIORNATA
Cuby & The Blizzards – L.S.D.( Got A Million Dollars) 7” Coloured Demon Fuzz – I Put A Spell On You 7” Coloured Erasermen – The Stone and The Smile Stereo 8 Tape George Martin – Beatles To Bond And Bach LP Coloured Golden Earring – Naked II LP Coloured Herman Brood & His Wild Romance – Cha Cha LP Coloured Jobriath – Jobriath LP Coloured Original Soundtrack – Sucker Punch LP Coloured Q 65 – Kjoe Blues 7” Coloured Sevdaliza – The Calling Ep LP Coloured Shocking Blue – Single Collection (Part One 2LP Coloured Sly & Robbie & Junior Natural – Militant Dub LP Coloured Sufjan Stevens – Mystery Of Love Ep 10” Coloured The Five Faces – Cantico per il mio grifone 7” The Mohawks – The Champ 7” Coloured Toy Dolls – Nellie The Elephant 7” Coloured Urban Dance Squad – The Remix Collection 2LP Coloured Abba – Summer Night City 7” Coloured AC/DC – Back In Black Cassette Actarus – Atlas Ufo Robot (40° Anniversario) LP Air – Sexy Boy 12” Picture Disc Alternative Tv – Dark Places 12” Antonello Venditti – Sotto Il Segno dei Pesci / Sara – 40° Anniversario 7” Arcade Fire – Arcade Fire – Ep 12” Batmobile – Teenage Lobotomy 7” Coloured Bert Jansch – L.A. Turnaround LP Bert Jansch – Santa Barbara Honeymoon LP Bert Jansch – A Rare Conundrum LP Betty Wright – The Movie 2xLP Bibio – Zen Drums / Dada Drums 12 Big Audio Dynamite – On The Road – Live ’92 12” Bim Sherman – Lightning & Thunder (Mungo’s Hi Fi Remix) 10” Bob Dylan & The Grateful Dead – Dylan & The Dead LP Bobbie Gentry – Live At The BBC LP Boys – The Boys LP Brainpower – Dub & Dwars LP Coloured Brian Eno With Kevin Shields – The Weight Of History / Only Once Away My Son 12 Bunk Johnson – Rare &Unissued Masters LP Cam’ron – Purple Haze 2xLP Car Seat Headrest – Twin Fantasy (Mirror To Mirror) 2LP Celtic Frost – Tragic Serenades 12” Picture Disc Chaka Demus & Pliers – Tease Me 12” Coloured Chris Bell – I Amthe Cosmos/You And Your Sister 7” Colah Colah & Rub A Dub Band – Bless Up The Farmers CD Courtney Barnett – City Looks Pretty / Sunday Roast 12” Creation Rebel – Dub From Creation LP CSI – Celluloide / Del Mondo 7” Cuby & The Blizzards – L.S.D.( Got A Million Dollars) 7” Coloured Curved Air – Air Conditioning LP Cypress Hill – Black Sunday – Remixes LP Czarface – Man’s Worst Enemy 7 Daniel Rossen – Deerslayer 12 Daughter – Music From Before The Storm 2LP Dave Grusin – The Friends Of Eddie Coyle (Ost) LP Dave Van Ronk – Live At Sir George Williams LP David Axelrod – Song Of Innocence LP David Bowie – David Bowie 2LP Coloured David Bowie – Bowie Now LP Coloured David Bowie – Welcome To The Blackout (Live London ’78) 3LP David Bowie – Let’s Dance (Demo) 12” David Sylvian – Dead Bees On A Cake 2LP Coloured Def Leppard – Live from Abbey Road 12” Descendents – Who We Are 7” Disturbed – The Lost Children 2LP Djavan – A Voz, O Violao, A Musica De… LP DMX – X Gon’ Give To Ya 12” Coloured Dr Dre – Dre Day 12” Duke Reid & Roland Alphonso – Judge Sympathy / Never To Be Mine 7” Coloured Duran Duran – Live At Pleasure Island 2LP Coloured Duran Duran – Duran Duran Budokan LP Electric Wizard – Wizard Bloody Wizard LP Coloured Emma Tricca – St. Peter LP Ennio Morricone – Un Esercito Di 5 Uomini LP Coloured Ennio Morricone – Drammi Gotici LP LP Enzo Iacchetti & I Musici – Migranti / Libera Nos Domine 7” Enzo Jannacci – Gheru Gheru 10” Erasure – The Two Ring Circus 2LP Picture Disc Eric Clapton – Rush (Music From The Motion Picture Disc Soundtrack) LP Esg – Come Away With Esg LP Europe – Walk The Earth 12” Picture Disc Eurythmics – 1984 LP Coloured Fabrizio De Andrè – Carlo Martello e altre storie LP Fleet Foxes – Crack-Up (Choral Version) / In The Morning (Live In Montreux) 7” Fleetwood Mac – Tango In The Night Alternative LP Florian Fricke – Spielt Mozart 2xLP Frank Zappa – Lumpy Gravy / Primordial LP Coloured Frankie Goes To Hollywood – 48” Inches Of Pleasure 4×12” Gemma Ray – The Leader LP Giant Sand – Provisions LP Girls Names – Primitive Desire LP Gloria Gaynor – I Will Survive / Substitute 12” Goat – Double Date 10” Goblin – Squadra Antigangster LP Coloured Goldie – 25 Years of Goldie, Unreleased and Remastered 3×12” Gov’t Mule – Girl With No Self-Esteem / Bed Of Lies 12” Grateful Dead – Filmore West, San Francisco, Ca 2/27/69 4xLP Groundhogs – Scratching The Surface LP Haley – Bratt 7” Hawkind – Levitation 3LP Hawkwind – Dark Matter (The Alternative Liberty / U.A. Years 1970-1974) 2LP Hayseed Dixie – It Happened So Grassed! Live In Scotland 2xLP Hot Tuna – Live At The New Orleans House 2LP Iggy Pop – Live at the Ritz , NYC 1986 LP Coloured Insane Clown Posse – The Amazing Jeckel Brothers LP J Dilla – Ruff Draft : The Dilla Mix 2xLP Ja Ga Brothers – Ja Ga Brothers 12” Coloured Jason Isbell & The 400 Unit – Live From Twist & Shout 11.16.07 12” Jeff Buckley – Live At Sin-e (legacy Edition) 4LP Jesus Jones – Anniversary 12” Jethro Tull – Moths 10” John Fogerty – Centerfield 12” Picture Disc John Wesley Harding – Greatest Other People Hits LP Johnny Cash – At Folsom Prison (legacy Edition) 5LP Johnny Guitar Watson – Giant LP Coloured Josephine Foster – A Wolf In Sheeps Clothing LP Karl Jenkins – The Armed Man: A Mass For Peace 2LP Kenny Loggins – Return To Pooh Corner LP Coloured Kevin Morby & Waxahatchee – Farewell Transmission/Dark Don’t Hide It 7” Killing Joke – Absolute Dissent 2LP Kreator – Behind The Mirror 12” Picture Disc Lalo Schifrin – Enter The Dragon LP Picture Disc Laraaji – Sun Transformations LP Led Zeppellin – Rock’n’roll/Friends 7” Coloured Lemonheads – Favourite Spanish Dishes 12 Linda Perhacs – I’m A Harmony LP Linkin Park – One More Light Live 2LP Living Colour – Live From CBGB’s 2LP Lou Reed – Animal Serenade 3LP Mac Demarco – Old Dog Demos (Rsd Exclusive) LP Mac Demarco And Shamir – Beat Happening Covers (Rsd Exclusive) 7” Madness – I Do Like To Be B-Side LP Madonna – You Can Dance LP Coloured Madonna – The First Album LP Picture Disc Maria Callas – Bellini: Casta Diva 7” Coloured Marvin Gaye – Sexual Healing: The Remixes LP Marvin Gaye – Let’s Get It On (45th Anniversary Edition) LP Coloured Mary Clark – Take Me I’m Yours 7” Single Mastodon – Emperor Of Sand LP Melvin Sparks – Texas Twister LP Merzbow, Mats Gustafsson, Thurston Moore, Balazs Pandi – Cuts Up, Cuts Out LP Michael Kiwanuka – Live LP Miles Davis – Rubberband 12” Mina – Trenodia/I Discorsi 7” Mogwai – Ten Rapid LP Morbid Angel – Kingdoms Disdained 12” Picture Disc Motorhead – Heroes 7” Picture Disc Neil Young – Roxy – Tonight’s The Night Live 2LP Ocean Colour Scene – Marchin’ Already 2LP Coloured Ornette Coleman – An Evening With Ornette Coleman, Part 2 LP Pere Ubu – Terminal Tower LP Phoenix – Monologue 7” Pink Floyd – The Piper At The Gates Of Dawn LP Pino Daniele – Tracks LP Pino Donaggio – A Venezia un dicembre rosso shocking LP Coloured Popol Vuh – Messa Di Orfeo LP Prince – 1999 LP Prodigy – Keep It Thoro 12” Picture Disc Public Image Limited – Live At Brixton Academy 1986 2LP Picture Disc Quicksand – Tryptich Continuum LP Rainbow – Rockpalast 1995 – Black Masquerade Vol.1 2LP Rainbow – Rockpalast 1995 – Black Masquerade Vol.2 LP Ramones – Sundragon Sessions LP Richard Lloyd – Lodestones LP Roger Taylor – Journey’s End 10” Ron Gallo – Really Nice Guys 12 Rory Gallagher – The French Connection LP Run The Jewels – Stay Gold Collectors Jewel Box 12” Box Set Ryuichi Sakamoto – ff2 12” Sandy Denny – Like An Old Fashioned Waltz LP Coloured Saun & Starr – Look Closer – Instrumental Versions LP Saxon – Princess Of The Night 7” Saxon – Thunderbolt 12” Picture Disc Serge Gainsbourg – Le Pacha (Ost) LP Shaggy – Oh Carolina 7” Coloured Six By Seven – 4 2xLP Snow Patrol – Don’t Give In / Life On Earth 10” Sock-Tight – Second Wind 7”LP Soft Cell – Say Hello Wave Goodbye / Youth Reimagined 12” Soul Asylum – Live From Liberty Lunch, Austin, Tx, December 3, 1992 2LP Soundgarden – A-Sides 2LP Coloured Spacemen 3 – Taking Drugs To Make Music To Take Drugs To 2xLP Sparks – The Best Of, The Rest Of 2LP Coloured Spiritualized – Fucked Up Inside LP Stella Maris – Stella Maris LP Coloured Steven Wilson – How Big The Space 12” Stone Sour – Tbc (Acoustic) LP Sun Ra – Standards LP T.REX – Bolan Boogie LP Coloured Tad – Quick And Dirty LP Tangerine Dream – Miracle Mile LP Tears For Fears – Head Over Heels (Talamanca System Remixes) 12” Tears For Fears – Head Over Heels (Mark Barrott Remixes) 12” Television Personalities – Privilege LP Television Personalities – Closer To God 2xLP The Alarm – Where the Two Rivers Meet EP 12” The B-52’s – Live at the Rock n’ Rockets 2LP Coloured The Courteeners – St. Jude LP Coloured The Cure – Mixed Up 2LP Picture Disc The Cure – Torn Down: Mixed Up Extras 2018 2LP Picture Disc The Doors – Live At The Matrix Part 2: Let’s Feed Ice Cream To The Rats, San Francisco, Ca -March 7&10,1967 LP The Durutti Column – Another Setting 2xLP The Flaming Lips – The Mushroom Tapes LP The Lurkers – Fulham Fallout Lp The Maccabees – Wall Of Arms LP Picture Disc The Mekons – Never Been In A Riot 7” The Mekons – Where Were You? 7” The National – Boxer Live In Brussels Lp The Notorius B.I.G. – Juicy 12” Coloured The Police – Roxanne 7” The Rolling Stones – Their Satanic Majesties Request LP Coloured The Stooges – The Stooges (The Detroit Edition) 2LP The Streets – Remixes & B-Sides 2LP The Dream Syndicate – How We Found Ourselves…Everywhere! LP The Undertones – Singles 13×7” Boxset The Who – Live at the Isle of Wight Vol.1 2LP The Who – Live at the Isle of Wight Vol.2 LP Thelonious Monk – Nutty LP Tim Armstrong – A Poet’s Life LP Tim Burgess – As I Was Now LP Timoria – Senza Vento / Sangue Impazzito – 25° Anniversario 7” Tom Waits – Brawlers LP Tom Waits – Bawlers LP Tom Waits – Bastards LP Too $Hort – Short Dog’s In The House LP U2 – Lights of Home – 12” Uncle Tupelo – No Depression – Rarities LP Coloured Unkle – Live – On The Road: Koko 3xLP Uriah Heep – Look At Yourself LP Various Artists – Punk 45 – Approaching The Minimal With Spray Guns 5×7” Various Artists – Congo Revolution – Afro-Latin, Jazz And Funk Evolutionary And Revolutionary Sounds From The Two Congos 5×7” Various Artists – Studio One Dub Plate Special 5×7” Various Artists – Singapore A-Go-Go 2xLP Van Morrison – Alternate Moon Dance LP Van Morrison & Joey DeFrancesco – Close Enough For Jazz / The Things I Used To Do 7” Various Artists – Il Mago di Oz – Original Soundtrack 12” Coloured Various Artists – Motown Funk Volume 2 2LP Coloured Various Artists – Twin Peaks (Music From The Limited Event Series Soundtrack) 2LP Picture Disc Various Artists – Twin Peaks (Music From The Limited Event Series Score) 2LP Picture Disc Various Artists – The Sugar Hill 4×12” Boxset Various Artists – Get Ready, Do Rock Steady 10×7” Various Artists – Right On Now! The Sound Of Northen Soul LP Various Artists – Teh Other Side Of Sun (Part 2) LP Various Artists – American Dreamer Ost LP Vaselines – Dum Dum LP Voivod – Too Scared To Scream 12” Picture Disc White Hills/Gnod – Aquarian Downer LP Whitesnake – 1987 (30th Anniversary Edition) LP Picture Disc Who – The Kids Are Alright 2LP Coloured Wilco – Live At The Troubadour 11/12/96 2LP Willie Colon – Wanted By The Fbi/The Big Break – La Gran Fuga LP Wire – Nine Sevens 7” Box Wu Tang Clan – The Saga Instrumental 12” Wu-Tang Clan – Enter The Wu-tang Clan 36 Chambers Cassette Yazoo – Situation 12” Yes – Tormato 12” Picture Disc Brainpower – Dub & Dwars LP Coloured Colah Colah & Rub A Dub Band – Bless Up The Farmers CD Cuby & The Blizzards – L.S.D.( Got A Million Dollars) 7” Coloured Demon Fuzz – I Put A Spell On You 7” Coloured Erasermen – The Stone and The Smile Stereo 8 Tape George Martin – Beatles To Bond And Bach LP Coloured Golden Earring – Naked II LP Coloured Herman Brood & His Wild Romance – Cha Cha LP Coloured Jobriath – Jobriath LP Coloured Original Soundtrack – Sucker Punch LP Coloured Q 65 – Kjoe Blues 7” Coloured Sevdaliza – The Calling Ep LP Coloured Shocking Blue – Single Collection (Part One) 2LP Coloured Sly & Robbie & Junior Natural – Militant Dub LP Coloured Sufjan Stevens – Mystery Of Love Ep 10” Coloured The Five Faces – Cantico per il mio grifone 7” The Mohawks – The Champ 7” Coloured Toy Dolls – Nellie The Elephant 7” Coloured Urban Dance Squad – The Remix Collection 2LP Coloured
Avicii, famoso dj svedese, uno dei più importanti produttori di musica dance degli ultimi anni, è morto prematuramente a soli 28 anni.
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La notizia è stata confermata: Avicii, all’anagrafe Tim Bergling, è stato trovato morto a Mascate, in Oman. Il giovane produttore, uno dei più grandi della scena EDM internazionale, aveva soltanto 28 anni e il suo agente ha ufficializzato la triste notizia senza però spiegare le cause della morte.
La responsabile del suo ufficio stampa, Diana Baron, ha rilasciato un comunicato Ufficiale:
“È con profondo dolore che annunciamo la perdita di Tim Bergling, noto anche come Avicii. È stato trovato morto a Muscat, in Oman, questo venerdì pomeriggio. La famiglia è sconvolta e chiediamo a tutti, per favore, di rispettarne la privacy in questo momento difficile”.
Avicii era nato a Stoccolma nel 1989, e negli ultimi anni era diventato uno dei produttori più richiesti e famosi al mondo. Tante e importanti sono state le sue collaborazioni artistiche come quella con Madonna, con Chris Martin dei Coldplay, David Guetta e tanti altri. Nell’album “Black cat” del 2016, Zucchero aveva inserito la cover di un brano del musicista svedese, “Ten more days”. Uno dei suoi brani più famosi è “Levels”, una grande hit del 2011.
Nella sua carriera aveva pubblicato due dischi, True del 2013 (che conteneva il successo mondiale “Wake Me Up”) e Stories del 2015.
Alcuni giorni fa il suo ultimo lavoro discografico, uscito nell’agosto scorso – l’EP EP Avicii (01) –, è stato candidato per i Billboard Music Award nella categoria Dance/Electronic Album. Aveva vinto due MTV Music Awards, un Billboard Music Award e conquistato due nomination ai Grammy, rispettivamente per “Sunshine”, con David Guetta, e “Levels”.
Nulla si sa in merito alle cause del decesso, anche se è noto che qualche anno fa Avicii ha sofferto di una pancreatite acuta dovuta all’uso di alcol. La sua cartella clinica dice che era stato sottoposto a due interventi chirurgici per la rimozione della cistifellea e dell’appendice. Nel 2016 aveva deciso che non si sarebbe più esibito dal vivo, e lo aveva comunicato ai fan con una lunga lettera:
“Due settimane fa, ho attraversato gli Stati Uniti coi miei amici e il mio staff per cercare di elaborare e pensare a tutto in una nuova prospettiva. Mi ha davvero aiutato a capire che ho bisogno di fare quel cambiamento che da un po’ tempo sto cercando di operare… Le mie scelte e la mia carriera non sono mai state influenzate da cose materiali, anche se sono grato di tutte le opportunità e le comodità che il successo mi ha portato. So di essere molto fortunato a viaggiare per il mondo e a esibirmi, ma con questa vita da artista mi resta troppo poco tempo per la vita reale… Non mollerò mai, comunque, la musica … ma ho deciso che questo del 2016 sarà il mio ultimo tour e questi saranno i miei ultimi concerti… Una parte di me non può mai dire mai. Potrei tornare… ma non subito“.
Prince è uno di quei personaggi entrati ormai nella leggenda, figure che nemmeno la morte ha offuscato e fermato, nomi che continuano a far parlare di se nonostante tutto.
In questi giorni, in prossimità del secondo anniversario della sua morte, sopraggiunta tragicamente il 21 aprile 2016, sono arrivate alcune interessanti news sull’artista di Minneapolis, notizie sia relative alla sua morte, che all’uscita di un suo “classico” in versione vinile, oltre alla conferma della prossima pubblicazione di una biografia ufficiale.
Ma andiamo per gradi.
Credit Photo Steve Parke from Book signing and Q&A for his “Picturing Prince.”
INCHIESTA SULLA MORTE DI PRINCE
Cominciamo con il parlare dell’inchiesta aperta due anni fa sulla morte dell’artista, indagini che avevano il fine di trovare un responsabile per quella tragica morte.
In queste ore, il titolare di questa inchiesta, il procuratore della contea di Carver in Minnesota, Mark Metz, fa sapere di aver chiuso le indagini sul decesso non avendo trovato responsabili per la morte di Prince Roger Nelson. Il giudice afferma che non ci sono prove per determinare chi materialmente possa aver procurato al musicista gli antidolorifici oppiacei sotto forma di Percocet falso, sostanze che hanno poi determinato la morte.
Immagini di qualche ora prima della morte mentre l’artista entra nella clinica del suo medico.
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Ricordiamo che l’autopsia del cadavere, nello specifico, indicava che il decesso era da attribuirsi agli altissimi livelli di Fentanyl nel sangue, un analgesico sintetico molto più potente della morfina.
L’annuncio del procuratore sulla chiusura del caso è arrivata poche ore dopo la scoperta che il medico di Prince, Michael Todd Schulenberg, inizialmente accusato di aver prescritto illegalmente degli oppiacei (oxycodone) per Prince, intestando la ricetta a una bodyguard dell’artista, ha accettato di pagare 30 mila dollari come risarcimento. Stando alle indagini e alle perquisizioni avvenute nella casa di Prince, nessuno dei farmaci trovati era stato prescritto a suo nome. Alcuni erano addirittura sotto il nome del tuo ex batterista e amico Kirk Johnson, mentre altri farmaci erano in contenitori di vitamine o in buste da lettera.
Credit Photo Steve Parke from Book signing and Q&A for his “Picturing Prince.”
Il legale del dottor Schulenburg, Amy S. Conners, ha comunque precisato che l’accordo è stato fatto per evitare esisti imprevisti in un processo. Il medico, inoltre, non ha fatto alcuna ammissione di fatti e ha negato ogni responsabilità, compresa quella di aver prescritto oppiacei a pazienti con l’intenzione di destinarli all’artista scomparso.
Rimane comunque il dubbio se Prince pensasse stesse davvero ingerendo Vicodin e non Fentanyl (molto più potente) le ore prima della sua morte: “Prince – ha dichiarato il procuratore Metz – non aveva idea che stesse prendendo una pillola falsa che lo avrebbe ucciso. Le prove mostrano che Prince pensava di prendere Vicodin, non Fentanyl, ma non ci sono prove che alcuna delle persone a lui associate fosse a conoscenza del fatto che in suo possesso aveva pillole false contenenti Fentanyl“. Motivo per cui non si è potuto procedere con delle incriminazioni.
Per cui, in sintesi, il genio di Minneapolis è morto a causa di un’overdose accidentale di fentanyl causata da pillole contraffatte.
Intanto l‘ufficio dello sceriffo di Carver County ha pubblicato le immagini del corpo senza vita di Prince chegiace davanti all’ascensore della sua residenza di Paisley Park, a Minneapolis.
La 1ma versione di “Nothing Compares 2 U”, scritta, arrangiata, interpretata e prodotta dallo stesso Prince, è stata diffusa dalla Prince Estate, in collaborazione con Warner Music.
Il brano, disponibile ora in vinile 7’’ (sia picture disc che nero), fu registrato nel 1984 da Susan Rogers al Flying Cloud Drive “Warehouse” di Eden Prairie, in Minnesota. All’interno si trovano sia il sassofono di Eric Leeds che i cori di Susannah Melvoin e Paul “St. Paul” Peterson. Il singolo uscì nel 1985, ma divenne davvero famoso nel 1990, con la versione di Sinéad O’Connor.
La famiglia dell’artista scomparso ha inoltre pubblicato un video, a corredo dell’uscita del vinile, all’interno del quale vi sono le immagini delle prove di “Nothing Compares 2 U” nell’estate del 1984.
BIOGRAFIA UFFICIALE DI PRINCE
Entro la fine dell’anno uscirà la biografia ufficiale di Prince (sarebbe dovuta uscire lo scorso autunno), “The beautiful ones“. A renderlo noto è Esther Newberg, l’agente letterario che sta seguendo il progetto sin da quando l’artista lo annunciò pubblicamente, poco tempo prima di morire.
Il libro è stato scritto a quattro mani da Prince e il giornalista Dan Piepenbring. Un mese prima di morire, durante un concerto, Prince disse di Piepenbring: “È un bravo critico, ciò di cui ho bisogno: non è uno ‘yes man‘”.
Si pensa che nel libro ci possano essere anche le circa 50 pagine manoscritte che Prince consegnò nelle mani dell’agente letterario poco prima di morire.
Credit Photo Steve Parke from Book signing and Q&A for his “Picturing Prince.”
ARIANA GRANDE è tornata dopo il silenzio a seguito della tragedia di Manchester.
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La superstar italo americana, ha rotto il silenzio che durava dal maggio dello scorso anno pubblicando un nuovo singolo dal titolo “No Tears Left To Cry” accompagnato da un video firmato da Dave Meyers.
Prodotto da Max Martin e ILYA, il brano “No Tears Left To Cry” è stato scritto da Ariana, Max Martin, ILYA, e Savan Kotecha ed è il primo estratto dal suo atteso nuovo album.
Con la sua voce potente e il suo sorprendente carisma, Ariana Grande si è affermata come una delle performer più di successo della musica pop di oggi.
A soli 24 anni, Ariana può vantare già tre dischi di platino in America, oltre 18 miliardi di streams, quattro nomination ai Grammy Award e 8 hits nella Top 10 della classifica singoli Americana, la Billboard Hot 100. Se questo non bastasse possiamo aggiungere 30 milioni di dischi venduti, di cui 6 milioni di album e più di 24 milioni di singoli.
Dal suo debutto nel 2013con l’album “Yours Truly“ Ariana Grande ha portato la sua incredibile presenza vocale su un nuovo livello, creando un nuovo genere pop, contaminato con suoni R&B, soul ed elettronici.
Nel 2014 arriva il suo secondo lavoro “My Everything” ha ottenuto una nomination ai Grammy Award nella categoria “Best Pop Vocal Album” eha venduto oltre 5 milioni di copie nel mondo, certificato Disco d’Oro in Italia (dove è rimasto stabile nella classifica dei dischi più venduti per ben 86 settimane consecutive). Il disco ha dato la possibilità ad Ariana di dimostrare quanta strada aveva fatto dai tempi di Cat Valentine a quel momento.
Cover singolo NoTears LeftToCry
“My Everything” conteneva i singoli “One Last Time”, che nella versione italiana vedeva la presenza di Fedez, che ha ottenuto nel nostro paese 3 dischi di Platino (il brano ha venduto oltre 4 milioni di copie nel mondo),“Problem” featuring Iggy Azalea (certificato Doppio Platino in Italia ha raggiunto la posizione n.2 della classifica USA diventando uno dei singoli più venduti dell’anno e ha totalizzato ad oggi oltre 5 milioni di copie vendute nel mondo grazie anche ad un video http://vevo.ly/BHpIgT con oltre 820 milioni di views), “Break Free”featuring Zedd (certificato 2 volte PLATINO in Italia ha raggiunto la posizione No. 4 in America, ha ottenuto ad oggi 640 milioni di views per il video http://vevo.ly/tTVDQK e venduto oltre 2.9 milioni di copie), “Love Me Harder” featuring The Weeknd (certificato Platino in Italia ha venduto oltre 1.4 milioni di copie nel mondo ed è accompagnato da un video http://vevo.ly/cNof8n visto oltre 400 milioni di volte), “Bang Bang“, canzone certificata 2volte PLATINO in ITALIA con oltre 4 milioni di copie vendute nel mondo che ha visto Ariana Grande duettare con Jessie J e Niki Minaj con una nomination ai Grammy nella categoria Best Pop Duo/Group Performance).
Il successivo album del 2016 “DANGEROUS WOMAN” (ORO in Italia) conteneva la title track “Dangerous Woman“, brano certificato Platino In Italia che ha raggiunto la vetta delle classifiche americane accompagnato da un video visibile su http://vevo.ly/xWroqy con oltre 117 milioni di visualizzazioni, “SIDE TO SIDE” (doppio Platino in Italia) e “INTO YOU” (disco di Platino in Italia).
Ariana è stata inoltre protagonista con Stevie Wonder del singolo “FAITH” (disco d’Oro in Italia), tratto dalla colonna sonora del film animato SING.
Fossi una persona dotata non dico di furbizia, ma anche solo di spirito di conservazione, dovrei guardami bene dallo scrivere di The Voice. Per più di un motivo.
Il primo, più banale, è che tra i Coach c’è un mio amico fraterno, Francesco Renga. Una delle persone del mondo dello spettacolo a cui voglio più bene, e anche per questo, in passato, mi sono permesso di esprimere delle perplessità su alcune sue scelte artistiche prese recentemente. Criticarlo per essere a The Voice, lo so, sarebbe gioco facile, che non voglio giocare.
Idem per la presenza tra i Coach di J-Ax, uno col quale, in passato, neanche un passato troppo remoto, ho avuto più di qualche battibecco. Criticarlo per un programma come The Voice sarebbe decidere di sfidare a duello qualcuno che tiene in mano un fioretto imbracciando un bazuka. E a me non piace vincere facile.
Questo per rimanere in superficie.
Sei poi volessi andare in profondità, invece, non posso non ricordare che nell’ultima edizione, quella di un paio di anni fa, la mia presenza dietro le quinte è stata più che visibile, col mio sostegno pubblico portato a Alice Paba, sostegno poi proseguito come è noto, con Sanremo, Immobile e tutto il resto.
Ecco, proprio questo mio essere allora entrato a gamba tesa in quello che mi appriva come il talent con la rete dalle magli più larghe, quel mio essere in qualche modo entrato nel tessuto del programma, con un sostegno rumoroso, chiassoso, e con la vittoria finale di Alice, dovrebbe indurmi a tenermi lontanissimo da questa nuova edizione di The Voice.
Questo mi dovrebbe dire il buon senso. O più semplicemente questo dovrebbe dirmi chi mi sta vicino, e conosce la mia storia.
Ma come tutti quelli che si occupano di musica anche io ho visto The Voice, e soprattutto ho sentito The Voice, e un paio di cosette voglio dirle. Tanto di rotture di cazzo ne avrei anche senza questo articolo, non è che cambi molto.
Ora, a prescindere dal fatto che la nuova edizione, tutta in registrata tranne la finale, perde ovviamente in immediatezza, perché un programma non dal vivo, si sa, ha una marcia in meno. A prescindere dal fatto che, ormai, ogni talent diventa la riproprosizione di giovani che già hanno tentato altri talent, finendo per andare avanti un po’ per sfinimento, come non ci fosse alternativa. A prescindere dal fatto che Costantino della Gherardesca sta a un talent come io sto a un fashion blogger, incapace non tanto di empatizzare con i parenti dei concorrenti, o coi concorrenti stessi, ma anche a fingere di credere vagamente alle gag finte e poco divertenti che deve mettere in scena, senza però avere la statura di una Maria De Filippi, che può permettersi di cagare sui suoi sponsor perché è Maria, mica perché è incapace di fare una pubblicità. A prescindere da tutto questo una cosa va detta, una cantante che poteva uscire davvero da questo talent andando a impattare nell’immaginario degli spettatori, andando, quindi, a diventare un personaggio, prima, e una artista con seguito, quindi un prodotto vincente, poi, c’era, e ovviamente se lo sono lasciati sfuggire sotto il naso, come dei polli. O meglio, come dei polli che vanno avanti palesemente a copione, almeno in questo caso. Perché Dalise, è di lei che stiamo parlando, concorrente in gara nel team Al Bano, è stata chiaramente sacrificata per dar spazio al travestito pugliese che, quest’anno, sembra destinato a ricoprire il ruolo che fu di Suor Cristina anni fa. Una Suor Cristina transgeder, chiaro, ma siamo nel 2018, e pure Rtl 102,5 sta puntando sulle diversità, figuriamoci se non lo può fare un programma condotto da Costantino della Gherardesca. Tanto più che a sceglierlo è stato Al Bano, più volte indicato dalla stampa, come un zoticone omofobo, qui invece spiazzante nel portare avanti la drag queen cresciuta a orecchiette e cime di rapa. Il tipo, di cui non citiamo il nome perché, in tutta onestà, del tipo non ci frega un cazzo, e per non avvallare una scelta degli autori che riteniamo assolutamente suicida, esattamente come Suor Cristina, è solo un vestito senza talento dentro, a differenza di Dalise, appunto, che di talento ne ha da vendere. Non solo nel cantare, e questo lo avete potuto sentire tutti, tutti quanti abbiate avuto la ventura di guardare The Voice, ma anche nel muoversi sul palco, nel prendere il pubblico per mano e in mano. Nel bucare lo schermo, in sostanza.
Esattamente quel che un talento che voglia diventare una popstar, questo lo scopo dei talent, non può che avere come mission. Io, lo dico apertamente, avevo già puntato su di lei ai tempi del Festivalino di Anatomia Femminile, se andate nella apposita sezione potete vedere la sua partecipazione, ma a vederla lì, dentro la televisione, mi sono convinto ancora di più di quanto sia potenzialmente una popstar. E se parlo di potenzialità e non di atto, non è certo per sue mancanze, ma per mancanze del mercato, che non l’ha presa ancora in considerazione, e del sistema, che quando se la vede sotto gli occhi preferisce far passare il tizio vestito da donna che, diciamolo onestamente, ha proprio nel suo vestirsi da donna il suo plus, non esattamente gran cosa. E dire che Dalise, avesse voluto, avrebbe potuto usare la stessa carta, andando oltre lo stacco di coscia che ci ha regalato, e giocando di più sulla spregiudicatezza. Sì, probabilmente avesse fatto ancora di più sua la campagna #LaFigaLaPortoIo, a cui per altro ha in effetti partecipato durante l’ultimo Sanremo, magari giocando di scollatura, di trasparenza o quel che è, avrebbe messo definitivamente d’accordo tutti. Anche se, qui lo dico sapendo di giocare su un campo minato, temo che sia stato proprio il suo essere una così bella ragazza a aver indotto Francesco Renga a non prenderla. Perché, diciamolo altrettanto onestamente, questa faccenda che per tutte le Blind di lui si sia parlato solo come un sex symbol, uno che smuove gli ormoni delle donne, che le fa cadere ai suoi piedi, tutto vero, ci mancherebbe altro, deve avergli davvero rotto i coglioni. Quindi, conoscendolo come lo conosco, suppongo che non sceglierla sia stato più che altro un modo per allontanare altre battute stupide, altre risatine.
Ora, cara Dalise, gioca le tue carte nel mondo reale, che oggi significa più che altro la rete, dato che la tv è appaltata ai talent e le radio ragionano su logiche che con l’arte nulla ha a che fare. E già che ci sei, siccome in rete sono i video a viaggiare, la luce più veloce del suono, osa di più. Anzi, esagera proprio. Provoca. Hai sufficiente talento per supportare e sopportare il tuo fisico.
Il gruppo bolognese de Lo Stato Sociale era stato invitato dalla Fiom-Cgil, presso la fabbrica della Magneti Marelli, come ospite esterno alla tradizionale assemblea sindacale che rievoca il 25 aprile.
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I vertici dell’azienda, che fanno capo al gruppo Fca, hanno negato l’accesso agli artisti nonostante questi ultimi avevano regolarmente fatto richiesta di accesso, un paio di settimane fa. La giustificazione addotta dai dirigenti è stata: “Non sono rappresentanti sindacali, non possono entrare”.
Il segretario bolognese della Fiom, Michele Bulgarelli, ha ribattuto dicendo:
“Ospiti esterni possono entrare fabbrica, è accaduto nelle altre assemblee. Magneti Marelli e il gruppo Fca dimostrano ancora una volta di essere altra cosa dalle aziende bolognesi […] Abbiamo ricevuto una comunicazione su carta intestata che gli amici dello Stato Sociale non erano ammessi perché non sono dirigenti sindacali. Oggi si celebrava la Liberazione, è stato un peccato“.
Comunque gli operai della della Magneti Marelli hanno seguito lo stesso la band, seguendoli affacciati alle finestre. I ragazzi de Lo Stato Sociale, in strada, hanno partecipato comunque ad un reading di poesie e testi antifascisti per celebrare, anticipatamente, la Festa della Liberazione. Poi hanno anche ironicamente cantato: “…nessuno che dice: se sbagli sei fuori!” e intonato “Bella ciao“.
La band ha commentato l’accaduto dichiarando:
“Non sappiamo se stiamo stati lasciati fuori perché abbiamo ricordato gli operai licenziati a Pomigliano siamo tutti figli di famiglie operaie“
Il promoter che avrebbe dovuto portare in Italia il duo, D’Alessandro e Galli, con una nota fa sapere che l’imminente tour dei Tears For Fears, tra le altre già sold out, è stato RINVIATO a “causa di impreviste ragioni di salute e sotto ordine del medico. Il tour, che sarebbe dovuto partire ad aprile, è stato riprogrammato per l’inizio del 2019“.
La nota continua dicendo che “I Tears For Fears si scusano con i loro fan e sono estremamente dispiaciuti per ogni inconveniente creato. Non vedono l’ora di mettersi al lavoro per completare il materiale per il loro primo nuovo album in quattordici anni, con la speranza di pubblicarlo questo autunno”.
La D’Alessandro e Galli, “spiacente dell’accaduto, informa che i biglietti già acquistati resteranno validi per la nuova data del 23 febbraio 2019 sempre al MediolanumForum Assago – Milano. Chi volesse invece il rimborso, potrà farlo entro e non oltre lunedì 11 giugno nelle prevendite di acquisto. Oltre tale data non potranno essere concessi rimborsi“.
Ricordiamo che Roland Orzabal e Curt Smith erano da poco ritornati con il Greatest Hits “Rule The World” dopo 13 anni di assenza dalle scene – è, infatti, del 2004 l’album in studio Everybody Loves a Happy Ending.
Dopo Tim Hauser, scomparso qualche anno fa, i Manhattan Transfer ritornano con un nuovo album, The Junction, e una nuova voce – quella di Trist Curless – al posto del mai dimenticato Tim.
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The Junction è il primo album in studio dei Manhattan Transfer dalla morte del membro fondatore Hauser (morto nel 2014 a causa di un arresto cardiaco), primo disco che il leggendario gruppo vocale registra con il sostituto di Tim, il cantante baritono Trist Curless.
Trist è stato sicuramente all’altezza di Tim, e insieme a Cheryl Bentyne, Janis Siegel e Alan Paul, hanno ancora una volta messo in mostra i loro grandissimi talenti vocali che caratterizzano, in termini di qualità e particolarità, il sound di un quartetto vocale che ha sicuramente segnato la storia dei vocal group del XXmo secolo. .
The Junction, produzione molto eclettica e sofisticata, segue l’ambizioso album The Chick Corea Songbook del 2009. Il nuovo album segna, per la band, una sorta di svolta nel modo di proporre i brani: c’è nel disco meno coralità nell’interpretazione dei brani e più parti soliste di indubbia ispirazione Jazz, oltre alla presenza anche di suonielettronici così da rendere il sound, nel suo complesso, più contemporaneo.
Il disco, composto da una tracklist di cover e inediti, è stato realizzato con una elegante produzione negli studi di Mervyn Warren, e ogni membro del gruppo ha portato proprie idee originali nella realizzazione dello stesso, così come la band ha sempre fatto in passato. Alla fine The Junction è diventato il grande omaggio dei Manhattan Transfer all’amicoTim e al suo ricordo, segnando, nel contempo, un nuovo inizio per la loro carriera.
Ricordiamo, inoltre, che il gruppo si esibirà in Italia il 10 Maggio a Teatro Alghieri a Ravenna, il 12 Maggio al Blue Note a Milano.
TRACKLIST The Junction – Manhattan Transfer
01. Cantaloop (Flip Out!) – (04:43) 02. Swing Balboa (Down on Riverside) – (03:11) 03. The Man Who Sailed Around His Soul – (03:49) 04. Blues For Harry Bosch – (04:24) 05. Shake Ya Boogie – Galactic Vocal Version – (04:23) 06. Sometimes I Do – (04:54) 07. Ugly Man – (04:48) 08. The Junction – (04:56) 09. Tequila / The Way Of The Booze – (03:04) 10. Paradise Within (Paradise Found) – (05:00)
Alfredo Golino, napoletano di nascita e di estrazione musicale – come recita la sua biografia ufficiale – è uno dei migliori batteristi che l’Italia abbia mai avuto.
Lo abbiamo incontrato per una intervista, ma prima di parlare con lui, capiamo bene chi è questo grande musicista.
Figlio d’arte (il padre Antonio è stato uno dei più importanti batteristi jazz della scuola partenopea, oltre che un ottimo insegnante), a soli 17 anni ha intrapreso la professione di musicista, dapprima presso la Base NATO e quindi nell’Orchestra della RAI di Napoli.
A 18 anni approda alla corte di Armando Trovajoli su espresso invito dello stesso Maestro che lo fa partecipare a tutte le sue produzioni RAI, cinematografiche e discografiche. Contemporaneamente viene notato nell’ambiente discografico romano ed inizia a collaborare con la RCA.
Nel 1980 vince il concorso per entrare nell’Orchestra della RAI di Milano, città in cui si trasferisce ed in cui le sue doti di musicista vengono ancor più apprezzate sia in ambito jazzistico che in quello discografico, dove inizia a collaborare con i più prestigiosi artisti a livello nazionale e non solo, sia come strumentista che come produttore ed arrangiatore.
Nel 1989 lascia l’Orchestra della RAI per dedicarsi alla propria carriera che comincia ad aprirsi a partecipazioni europee, portandolo spesso in tournée all’estero con formazioni jazz, fusion o con artisti di grande rilievo, che lo consacrano definitivamente come musicista di fama internazionale.
In seguito con la moglie Giulia Fasolino forma i GIULIA COMBO realizzando l’album omonimo che ottiene un buon riscontro da parte della critica musicale per poi proseguire con la formazione degli ORO con cui partecipa a Sanremo Giovani 1995 vincendo col brano “Vivo per…” e quindi al Festival di Sanremo tra i Big l’anno successivo.
Nel 1996 fonda con la moglie Giulia Fasolino, Charlie Cinelli e Gogo Ghidelli CAMBIOMUSICA una scuola di musica che si occupa anche di edizioni musicali per artisti del calibro di Mina, Celentano, Renato Zero, Monica Naranjo.
Importante anche la collaborazione con Eros Ramazzotti, tanto in studio di registrazione quanto dal vivo, partecipando a due tour internazionali.
Numerosi e importanti i riconoscimenti che gli sono stati conferiti: Telegatto come miglior musicista, due Dischi d’Oro come produttore, arrangiatore ed artista, Grammy Award 2001 come musicista per la partecipazione all’album di Alejandro Sanz con 10 milioni di copie vendute, oltre a svariati premi da parte di organizzazioni musicali specializzate.
L’ultima iniziativa in ordine di tempo è CAMBIOMUSICA & Friends (leggi nostro articolo in merito) di cui si parla nella seguente intervista.
Alfredo Golino – Intervista
Ciao Alfredo, lieto d’incontrarti. Nonostante i molti amici in comune non ne avevo mai avuto occasione prima.
Piacere mio.
Per i non addetti ai lavori, chi è Alfredo Golino?
Musicista, batterista e produttore.
Ricordo il mio primo incontro con Tullio De Piscopo nel lontano 1973. Ai miei complimenti nei suoi riguardi rispose: “Eh sì, sapessi a Napoli… ci sono ragazzini che suonano la batteria assai meglio di me”.
A distanza di tempo ho sempre pensato che tu rientrassi tra i ragazzini citati da Tullio …
E’ probabile, ma non ne avremo mai la certezza! (Ride)
Ah ah, possiamo sempre chiederglielo alla prima occasione (Risata).
Quando hai cominciato a farti conoscere nell’ambiente discografico? Ho scoperto solo qualche anno fa la tua partecipazione all’album de “I Piloti” del 1981 con due miei ex compagni di ventura, Osvaldo Pizzoli e Mario Dalla Stella, e la produzione di Alberto Salerno.
Ultimamente sono finalmente riuscito a mettere le mani sul vinile originale.
Direi che il primi dischi importanti risalgono ai primi anni ’80 durante i quali ho suonato con molti artisti di rilievo, anche se sinceramente quali siano stati i primissimi non ricordo.
Erano anni proficui per la musica in Italia e c’era spazio per generi diversi.
Oltre all’ambito discografico so che sei stato molto attivo suonando con l’Orchestra della RAI, quella dei Pomeriggi Musicali e diverse formazioni jazzistiche. Dove ti esprimi meglio o dove ti diverti di più?
Io sono nato come jazzista, poi ho intrapreso la carriera pop e discografica e col tempo ho imparato ad apprezzare tutti i contesti lavorativi e artistici.
La musica fatta bene è sempre gratificante. Cosa pensi dell’attuale situazione nell’ambito della musica pop?
Io ho vissuto varie generazioni e non sono uno di quelli che critica in generale il periodo che stiamo vivendo. Penso che la musica rispecchi i periodi e la società; questo forse non è un gran momento, ma come sempre le cose buone ci sono e la musica sarà sempre al di sopra di tutto.
Una delle cose buone è senz’altro la vostra nuova iniziativa CAMBIOMUSICA & Friends. Com’è nata l’idea?
È nata dal fatto che io, Giulia Fasolino e il nostro collaboratore Mauro Susa volevamo promozionare la musica dal vivo, ma soprattutto l’idea di essere fuori dagli schemi e fare qualcosa per il piacere di suonare avendo il supporto di grandi artisti.
Un gran bel modo di Muovere La Musica. Mi auguro che serva da sprone per i più giovani e da esempio per chi tanto più giovane non è.
Pensi che potrebbe diventare un format televisivo?
Per ora no. A me interessa che cresca e possa durare nel tempo per promuovere il nostro canale YouTube che è il desiderio attuale. Poi si vedrà!
Il primo video ha visto coinvolto Marco Masini (vedi video sopra), poi leggo i nomi di probabili prossimi partecipanti, quali Enrico Ruggeri, Raf, Mario Lavezzi, Nino Bonocore.
La struttura sarà sempre la stessa? Brani originali dell’artista di volta in volta ospite suonati dal vivo oltre ad una cover?
Sì, formula e struttura sempre uguale: 2 brani dell’artista e una cover.
Qualche artista in particolare che ti piacerebbe coinvolgere?
Più artisti possibile: abbiamo anche qualche speranza di coinvolgere alcuni artisti internazionali, ma per scaramanzia non ti dico i nomi… 😉
Capisco. Cosa ne pensi di affiancare al nome famoso di turno anche un artista emergente?
Magari un solo brano, ma accompagnato dalla fantastica band che hai messo insieme.
E il nome famoso a fare da padrino.
C’è in previsione, più avanti, di fare cose anche con artisti emergenti.
Benissimo! Sarebbe una seria alternativa ai talent show che tendono a bruciare i partecipanti nell’arco della stagione in corso.
Spesso mi chiedo, qual è il futuro della musica suonata? Non credi che tutta questa tecnologia stia uccidendo la capacità esecutiva?
Secondo me no. Abbiamo passato anche un periodo peggiore di questo (seconda metà degli anni ’80) in cui quasi non si suonava più.
Ora c’è una scissione fra produzione discografiche e live: parecchi dischi sono molto prodotti e poi dal vivo se li si vuole riprodurre non rendono, quindi si è quasi obbligati a suonarli di più.
Poi sono gli artisti e i musicisti che hanno la possibilità di non far diventare la tecnologia troppo invadente.
Per concludere, c’è una domanda che nessuno ti ha mai fatto e ti sarebbe piaciuto setirti rivolgere? E come avresti risposto?
“Fare il musicista è un divertimento?” Io penso che non lo sia, è una cosa molto più profonda e interiore, che comprende anche ansie, paure, fatica e, a volte, la voglia di non farlo.
Grazie per il tempo che ci hai dedicato.
Ti faccio i migliori auguri per l’ottima iniziativa CAMBIOMUSICA & Friends.
Stiamo seguendo Gianna Nannini in varie tappe del suo “Fenomenale Il Tour”. Ieri sera #FareMusic era alla tappa Barese del tour della rocker senese, dove si è registrato l’ennesimo sold out.
Crediti foto sono di Francesca De Luisi in esclusiva per faremusic.it
Marco Garofalo, noto coreografo televisivo romano, è morto prematuramente. La sua ultima apparizione televisiva è stata nel programma di Canale 5 di Maria De Filippi
È morto nella notte tra il 18 e il 19 aprile il ballerino e coreografo Marco Garofalo. Le cause della prematura morte non sono state ancora rese note, ma si sa che si è spento a Roma a 62 anni.
Garofalo nato a Roma nel 1956, il 14 agosto, aveva iniziato la sua carriera da ballerino un po’ avanti con l’età, a 21 anni, dopo essersi infortunato ad un ginocchio, incidente che stroncò definitivamente il suo sogno di diventare un giocatore calcistico. Esordì in TV al fianco di Enzo Paolo Turci in una trasmissione di Raffaella Carrà e Alighiero Noschese, Ma che sera del ’78.
La sua carriera di coreografo televisivo iniziò nel 1989, quando firmò le coreografie di Lascia o raddoppia?, e da lì in poi fu tutto un successo, realizzando oltre 700 balletti per programmi televisivi, soprattutto di Mediaset. Sue sono state molte delle coreografie di Buona domenica, Ciao Darwin, L’eredità e Re per una notte, fino ad approdare ad Amici, dal 2009 al 2011, come professore di danza per Amici.
Nella sua carriera Marco Garofalo ha collaborato con personaggi della danza come Lorella Cuccarini, Heather Parisi, Natalia Estrada, Laura Freddi
La sua ultima apparizione televisiva è stata proprio nel programma di Maria De Filippi, nel febbraio scorso per uno stage speciale tenuto con i giovani allievi ballerini della scuola.
La campagna di sensibilizzazione promossa dal comitato Uniti per l’autismo, composto da associazioni di genitori, vanta un testimonial d’eccezione: Stefano Belisari, in arte Elio degli Elio e le Storie Tese.
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La scelta è niente affatto casuale: “Ho vissuto, e vivo, la condizione di genitore di un bimbo autistico”, ha rivelato il leader degli EELST nel corso della tavola rotonda organizzata a Varese da Fondazione Sacra Famiglia, in occasione della Giornata mondiale della consapevolezza dell’autismo.
“Se oggi si raccolgono online 250 mila firme per salvare un cane, non possiamo fermarci a 25 mila firme per chiedere l’applicazione di una legge regionale sull’autismo che non lascerebbe più sole le 100 mila famiglie lombarde che ogni giorno devono affrontare questa difficoltà”, ha continuato Elio di fronte a una platea nutrita e attenta, aggiungendo: “Su questo tema siamo all’età della pietra, specialmente sotto il profilo della percezione. C’è poi il problema dei ciarlatani, delle “cure” che non fanno effetto“.
Con una delicatezza scevra da patetismo, il musicista si è poi soffermato sul calvario quotidiano che accomuna gran parte delle famiglie con figli autistici: “Ricordo quando cercavamo, io e mia moglie, qualcuno che ci dicesse se nostro figlio era autistico o no: avere una diagnosi è pressoché impossibile, ti viene fatta quasi sotto banco, ma in realtà si tratta di un passaggio fondamentale, perché la diagnosi precoce va fatta. È importante. Meno male che poi ho incontrato l’amico Lucio”.
“Lucio” è il professor Lucio Moderato, che siede al tavolo dei relatori insieme e ascolta Elio con grande partecipazione, annuendo spesso. Il direttore dei servizi innovativi per l’autismo di Fondazione Sacra Famiglia riflette sui numeri del fenomeno:
“È una condizione geneticamente determinata, non più come si credeva una volta, quando si dava la colpa alle ‘mamme frigorifero’ perché incapaci di amare i propri figli. Pensate che a metà degli anni Settanta l’incidenza dell’autismo era uno a 70 mila, oggi il rapporto ha tre zeri di meno: una persona ogni 70 è autistica, con diversi livelli di funzionamento intellettivo, diverse capacità e disabilità. Non dobbiamo curare, perché non è una malattia, ma prenderci cura attraverso interventi educativi e abilitativi“.
La parola passa nuovamente a Elio che, con la caratteristica ironia amara, cita il gran proliferare di siti di petizioni on line come change.org con cui chiunque, da tutto il mondo, può lanciare e seguire le cause più disparate con un click. In merito al caso di Miro, il pastore maremmano di tre anni rinchiuso in un canile perché abbaiava troppo e ‘liberato’ grazie a una popolare sottoscrizione lanciata dalla padrona, scherza: “Sarò io il testimonial giusto per questa campagna? O forse era meglio chiedere al cane, anche se parla un po’ meno bene di me“. La petizione on line legata alla campagna
“Purtroppo – ha concluso il frontman degli EELST – nella ricchissima e avanzatissima Lombardia le persone con questo tipo di problematiche sono abbandonate completamente alle proprie famiglie che devono farsi carico di tutto, delle spese per i trattamenti, della mancanza di inclusione e del dover affrontare, senza strumenti validi, le prospettive per il futuro. In Lombardia ci sono norme che potrebbero migliorare tantissimo tutto questo. Basta volerle applicare”.
Nel frattempo su change.org è partita una raccolta di firme cui hanno già aderito personaggi dello spettacolo come Enzo Iacchetti e J.Ax e persone comuni. Pochi secondi del nostro tempo e una firma che ci costa niente, ma che – nel silenzio delle istituzioni – può fare molto.
Sulla scia del successo delle passate nove edizioni e delle date itineranti il Rock In Park si presenta in una nuovissima inedita versione OPEN AIR.
L’ormai famoso festival milanese – arrivato alla sua decima edizione che si terrà, come d’abitudine, presso il Legend Club Milano, dall’11 Maggio al 17 Giugno – presenta, in collaborazione con Rock My Life, il Rock In Park Open Air nella suggestiva cornice della Cava di Roselle, a Grosseto, i prossimi 13, 14 e 15 Luglio.
A calcare il palco del nuovissimo festival arriverà il meglio della scena attuale rock e metal italiana:
Venerdì 13 Luglio vede come headliner i Destrage, reduci dal tour europeo con i Periphery e pronti per un nuovo tour americano accanto ai Protest The Hero. Sul palco anche i Wolf Theory, nuovissimo progetto milanese industrial rock nato dalle menti di ex Exilia e Mellowtoy.
Sabato 14 Luglio toccherà ai Finley scaldare l’atmosfera, la band proporrà i singoli di maggior successo assieme ai brani del loro ultimo album titolato “Armstrong” uscito ad Ottobre 2017. A precederli saranno i The Bastard Sons Of Dioniso i quali porteranno sul palco una scaletta che vanta, tra gli altri, anche pezzi dell’ultima fatica in studio “Cambogia” ed i RHumornero band nata nel 2005 dall’incontro di musicisti provenienti da diverse esperienze (Super B, Prozac+ e altri..) la quale ha fatto molto parlare di se negli ultimi anni.
Domenica 15 Luglio, a chiusura della kermesse musicale, ci saranno i livornesi Strana Officina, con il loro metal travolgente; promuoveranno le due uscite annunciate ad inizio 2018 assieme alla loro casa discografica: “The Faith” (2006) in versione totalmente remixata (una vera bomba!!!) e “Non Finirà Mai” Ep interamente in italiano, contenente brani inediti scritti nel 1994 assieme ad altri contenuti speciali. Sul palco saliranno anche i cremaschi Genus Ordinis Dei con all’attivo “Great Olden Dynasty“, album acclamato dagli addetti ai lavori, sia italiani che esteri, contenente il brano “Salem” featuring Cristina Scabbia, cantante dei Lacuna Coil. La band arriverà a Grosseto super carica dopo aver condiviso il palco con gli svedesi Dark Tranquillity, in Francia, ed i Suffocation, durante la data di chiusura della decima edizione del Rock In Park 2018 a Milano.
Specifiche e costi – Rock In Park Open Air
VEN 13.07.18 apertura porte ore 19 — prevendita € 10,00 — in cassa €12,00 DESTRAGE + WOLF THEORY
Let Them Fall
Hot Cherry
Moderntears
OAK
SAB 14.07.18 apertura porte ore 18 — prevendita € 12,00 — in cassa €15,00 FINLEY + THE BASTARD SONS OF DIONISO + RHUMORNERO
Junkie Dildoz
The Splitheads
Sick Boys Revue
Guglielmo Benz
DOM 15.07.18 apertura porte ore 18 — prevendita € 8,00 — in cassa €10,00 STRANA OFFICINA + GENUS ORDINIS DEI
Roots from Above
Diesanera
Coexistence
Crimson Thunder
MindAheaD
ROCK IN PARK OPEN AIR 2018 – 3 days real rockers pass
biglietto valido per i 3 gg + maglietta, sacca, portachiavi, pass laminato, adesivi, ingresso anticipato – prevendita €38,00
Il Rock In Park Open Air si prospetta quindi un’esperienza a 360°!
Oltre a dell’ottima musica, i partecipanti, potranno godere di una rilassante area ristoro con griglieria e birra fresca a volontà.
Il luogo è facilmente raggiungibile e vanta un ampio parcheggio.
Saranno presenti inoltre diversi stands con espositori locali e non.
James Bay fuori con il brano“US”, l’inedito che insieme al singolo “WILD LOVE” e all’altro brano inedito “PINK LEMONADE” farà parte del nuovo album del cantautore inglese “ELECTRIC LIGHT” che uscirà il 18 maggio.
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Composto nei Baltic Studios di Londra, l’album è stato scritto e prodotto da JAMES BAY insieme all’amico e collaboratore di lunga data Jon Green. Al brano ha collaborato anche Paul Epworth [Adele, Florence and The Machine] che ha aggiunto alcuni elementi finali alla produzione.
BAY, che vuole spingere più avanti i suoi confini musicali, racconta di “ELECTRIC LIGHT”: “Se dovessi descrivere visivamente il mio primo album forse sarebbe una fiamma, mentre questo nuovo disco è davvero una evoluzione artistica e di suono per me. La sensazione, l’immagine che ho in mente, è quella di 100 lampadine che si accendono”.
Composto nei Baltic Studios di Londra, l’album è stato scritto e prodotto da JAMES BAY insieme all’amico e collaboratore di lunga data Jon Green. Al brano ha collaborato anche Paul Epworth [Adele, Florence and The Machine] che ha aggiunto alcuni elementi finali alla produzione.
Tracklist di “Electric Light” – James Bay
1.Intro
2. Wasted On Each Other
3. Pink Lemonade
4. Wild Love
5. Us
6. In My Head
7. Interlude
8. Just For Tonight
9. Wanderlust
10. I Found You
11. Sugar Drunk High
12. Stand Up
13. Fade Out
14. Slide
Bay ha annunciato anche le prime date del suo tour che lo porterà oltre alla Gran Bretagna anche negli Stati Uniti.Dopo il sold out dello scorso anno all’Alcatraz di Milano, James Bay tornerà il prossimo 8 luglio a Milano come protagonista di UNALTROFESTIVAL (per informazioniwww.unaltrofestival.it).
Note informative su James Bay
James Bay è la perfetta rock star moderna. Grazie al successo del disco di debutto “Chaos And The Calm” che conteneva i singoli “HOLD BACK THE RIVER” (primo posto in UK, Doppio disco di Platino in Italia e oltre 155 milioni di views su Youtube http://vevo.ly/tfyDwE) e “LET IT GO” (oltre 207 milioni di views su Youtube https://youtu.be/GsPq9mzFNGY), JAMES BAY ha ottenuto un lungo elenco di riconoscimenti come la nomina di “International Newcomer” agli ECHO Awards, “Best New Act” e “Best Solo Artist” ai Q Awards, la nomination per “Best Rock Album“, “Best Rock Song” e “Best New Artist” ai Grammy Awards 2016, il Critics’ Choice Award ai Brit Awards 2015, il premio come Best Male Solo Artist ai Brit Awards 2016, il premio come “Most Performed Work” agli Ivor Novello Awards e la nomination per “Best New” & “Best PUSH”agli MTV EMA’s e “Best new act” agli MTV VMA. Dall’altra parte del mondo, Bay ha ottenuto il premio come “Best International Artist” agli ARIA Awards in Australia.
Nel Regno Unito, dove aveva debuttato in vetta alla classifica, il suo primo disco si era guadagnato il titolo di “Biggest New Artist Album Release” ed era stato certificato oro negli Stati Uniti, Germania, Australia, Svizzera; platino in Canada, Irlanda, Paesi Bassi, Svezia e doppio disco di platino nel Regno Unito, vendendo quasi 3.5 milioni di album in tutto il mondo e totalizzando oltre 2.7 miliardi di stream worldwide.
